France

Introduction - Formes et Genres - Les Salles - Les Comédien(ne)s - Les Actrices - Les Auteur(e)s

Introduction

Le théâtre tient une place prépondérante dans l’histoire des lettres françaises du XVIIème siècle. Non seulement par la production des trois grands, Corneille, Racine, Molière, mais aussi parce qu’il compta d’autres auteurs dramatiques de grands talents, très suivis à leur époque comme François Tristan L’Hermite (1601-1655), Jean Mairet (1604-1686) et Jean Rotrou (1609-1650) qui, avec leurs tragi-comédies qui, à l’inverse des tragédies finissent ‘bien’, conférèrent au théâtre français une vitalité qui ne se démentit plus.

Formes et Genres

Introduction

A la Renaissance, les Mystères étaient déjà en voie de disparition depuis que leur représentation avait été interdite en 1548 par le Parlement de Paris au motif des débordements qu’ils entrainaient. Pierre Gringore (1475-1539) qui faisait partie de la Confrérie des Enfants-Sans-Souci, à qui l’on doit Farces, Sotties et Moralités,  a été le dernier grand dramaturge médiéval a dirigé les Mystères. Quant aux  Farces, Soties et Moralités, elles vont continuer d’animer les tréteaux et ravir un public populaire.

Mais un théâtre dit savant est apparu au XVIème siècle. Fidèles à l’esprit de la Renaissance, les auteurs de pièces sont retourner aux sources antiques et ont  redécouvrir ses formes et genres dramatiques en commençant par traduire des tragédies et comédies notamment de Sophocle, Euripide, Eschyle, Aristophane, Sénèque, Plaute et Térence. Puis, en prenant pour modèles ces auteurs, les dramaturges français, ont écrit leurs propres premières dites ‘tragédies régulières’ ou ‘tragédies humanistes’ tels Étienne Jodelle (1532-1573) qui, membre de La Pléiade, en a été le dramaturge le plus représentatif avec entre autres Cléopâtre Captive (1553) et Didon Se Sacrifiant (1555), mais encore Robert Garnier (1545-1590), auteur de tragédie, Jean de la Taille de Bondaroy (ca. 1535-1611/16) et Pierre de Larivey (1641-1619) auteurs de comédies (voir Renaissance/Théâtre/France).

Il est à noter qu’à la différence du théâtre élisabéthain, le théâtre français se produisait sous l’effet d’une censure qui interdisait toute critique du pouvoir royal et de l’Église. Sur scène, les mœurs restent prudes ; contrairement au théâtre anglais ne sont jamais représentés de meurtre, jamais d’excitations excessives, de cris.

L’influence sur le théâtre français viendra du Sud. De l’Italie dont on sait quelle importance aura eu la venue de la troupe des Gelosi. En effet, en 1577, Catherine de Médicis, sous le règne de son fils Henri III, fait venir d’Italie, la troupe des Gelosi, Les Jaloux, (jaloux « d’atteindre la vertu, la gloire, et l’honneur » selon leur devise). Troupe qui rencontra un très grand succès. Le Parlement estimant que leur spectacle de Commedia dell’arte donnait à voir et à entendre trop de choses obscènes et paillardes en interdit la représentation. Pour bref que fut leur passage, il n’en a pas moins pour autant marqué de manière irréversible le théâtre français. Molière s’en inspirera. Cette troupe dans laquelle les femmes sont admises comme comédiennes au même titre que les hommes (Isabella, Colombine) fut active de 1569 à 1604. Elle a également marqué de son empreinte sur tous les pays d’Europe où elle a donné des spectacles de la Commedia dell’arte .

 Un auteur comme Pierre Larivey (1541? -1619 ?) aura pour source d’inspiration non plus le théâtre antique mais le théâtre italien dont il adapte les comédies.

« Il s'inspire de très près des Italiens, transposant en français les situations et les personnages (le valet malin, le vieillard avare et amoureux, l'entremetteuse, le fanfaron, le pédant [dont certaines sources le disent rajouté par lui dans Le Laquais de Ludovico Dolce] ...) que la comédie italienne avait empruntés à Plaute et à Térence … Sa comédie la plus connue, Les Esprits dont Albert Camus a fait une adaptation, semble bien avoir fourni à Molière certains traits de l’Écoles des maris et surtout dans l’Avare, Harpagon se lamentant sur sa cassette ». (Encyclopédie Universalis)

Une autre source d’inspiration viendra de l’Espagne. Le Cid de Corneille, écrit en 1637, et le Don Juan de Molière, écrit en 1665, sont les meilleurs exemples, du moins les plus connus,  de cette influence espagnole. Guillén de Castro y Bellvís (1569-1631) avait écrit en 1618 Las Mocedades del Cid (l’Enfance du Cid) qui reste sa pièce la plus célèbre puis Las Hazañas del Cid (Les Exploits du Cid). Le Don Juan de Molière, personnage libertin, hédoniste coureur de jupons, lui, est inspiré du personnage de Tirso de Molina († 1648),   El burlador de Sevilla y convidado de piedra (L'Abuseur de Séville et l'Invité de Pierre),pièce écrite en 1630.

Quant au valet de comédie, personnage récurrent dans ce genre, il était déjà un personnage incontournable des comédies du théâtre baroque espagnol et que Lope de Vega (1562-1635) mettait régulièrement en scène.

Autre veine venue de la péninsule ibérique, la Comédie de Cape et d’Épée.

Le jeu de l’acteur du théâtre sous Louis XIII et Richelieu est empli d'affectation. Sa déclamation est lente, emphatique. L’acteur reprenant sa respiration bruyamment après quasiment chaque vers.

De L’Alexandrin

 L’alexandrin est un vers de douze pieds (dodécasyllabes)  divisé en deux hémistiches égaux de six syllabes chacun et articulés par la césure dite aussi hémistiche quand il s’agit d’une coupure à l’hémistiche, coupure au milieu du vers. La césure ne se trouve pas nécessairement au milieu du vers. Dans la métrique antique, elle peut se trouver au centre d’un pied intervenant entre deux syllabes longues ou brèves ou entre une longue et deux brèves etc..

Selon Jean Mazaleyrat (Éléments de métrique française, Armand Colin, 1974, p. 35) :« L'unité de mesure du vers français est la syllabe. Parler de ‘pied’ , par analogie avec le latin ou le grec, est incorrect, comme le relève déjà Joachim du Bellay dans la Défense et illustration de la langue française »

L’appellation d’Alexandrin vient d’Alexandre ; soit d’ Alexandre le Grand, personnage du Roman d'Alexandre, compilation de récits antérieurs faite vers 1170 par Lambert le Tort et dont tous les vers sont composés des dodécasyllabes, soit d’Alexandre de Bernay, ‘augmenteur’ de la compilation et éditeur Lambert le Tort. L’usage du terme ne se fera qu’au XVème siècle. L’alexandrin, introduit au théâtre par Jodelle (1532-1573) dans sa Cléopâtre, deviendra alors de rigueur.

«L’alexandrin n’est pas un ornement contingent, capricieux, provisoire, du théâtre français, mais il est devenu son vers le plus naturel, celui qui s’est prêté le mieux à la tragédie française (et du même coup à la comédie) depuis la Renaissance jusqu’au drame romantique… Le vers manifeste une tension essentielle entre la prose et la poésie, entre la langue et sa fonction poétique. Le vers de théâtre manifestera donc une tension entre les paroles des personnages, qui sont en principe une représentation de la vie humaine, et les formes dramatiques, lyriques, épiques que la poésie entend donner de cette même représentation…L’opposition bien connue entre peindre les hommes « tels qu’ils sont» et les peindre « tels qu’ils devraient être », qui vient d’ Aristote et qui a été appliquée à Corneille et Racine par La Bruyère avec la fortune scolaire qu’on sait, pourrait même être interprétée comme l’équivalent psychologique de cette tension. » (F. Regnault, in Théâtre aujourd’hui n° 2 Dire et représenter la tragédie classique, SCÉRÉN-CNDP, 2007, p. 12-21.)

La Règle des Trois Unités

L’on considère souvent que la règle des trois unités a été établie une fois pour toute par le Stagirite, or dans sa Poétique, il n’évoque que l’unité d’action. Elle a en fait été forgée au cours du XVIème siècle (voir Renaissance/Littérature/Théâtre/France/ Théâtre Savant). Boileau, en tant que critique la formula ainsi dans son Art Poétique de 1674 : « Qu’en un lieu, qu’en un jour, un seul fait accompli tienne jusqu’à la fin le théâtre rempli », synthétisant ainsi l’unité de lieu, de temps et d’action. Elle devint le fondement incontournable de l’écriture dramatique classique.

Au début tragédies et comédies n’ont pas de formes bien définies, leurs long monologues et leurs non moins longues méditations philosophiques ne leur donnaient pas le caractère attractif qu’elle auront au siècle classique. Ce n’est que progressivement que la Poétique d’Aristote, traduite pour la première fois en 1571 servira (plus ou moins) de référence bien que les notions de catharsis et mimesis resteront ignorées.

Aristote a fondé dans sa Poétique les règles de la tragédie à partir des grandes tragédies grecques de Sophocle, Euripide, et Eschyle. Il n’y est nullement question de l’unité de lieu. Il n’y est pas question non plus d’unité de temps. Aristote est soucieux en fait d’une action qui se déroule ‘raisonnablement’ dans le temps, ni trop longue ni trop courte, « d’une certaine étendue, mais que le regard puisse embrasser aisément…les histoires doivent avoir une certaine longueur, mais que la mémoire puisse retenir aisément ». (La Poétique chapitres 7,8 et 23).

Vauquelin de La Fresnay (1536-1607)  reviendra sur ces règles dans son Art poétique où l’on peut remarquer la Perfection et le Défaut des Anciennes et des Modernes Poésies, écrit en 1574 mais seulement publié en 1605. Jean de La Taille (1533-40/1611/ 2) transposera ces unités à la représentation elle-même. Au XVIIème siècle, viennent s’ajouter la règle du sérieux et celle de la vraisemblance. L’alexandrin introduit par Jodelle (1532-1573) dans sa Cléopâtre deviendra de rigueur. Quant à l’action, elle sera sujet à controverse. Corneille, par exemple, fera commencer l’action au début de ses tragédies, avec Racine la pièce commence en cours de l’action.

« Au cours de ces années, le soutien s'était accru en faveur d'une nouvelle approche de la tragédie qui visait la «régularité» par le respect de ce qu'on appelait les unités «classiques». Venue d'Italie *, cette doctrine des unités exigeait qu'il y ait unité de temps (strictement, les événements de la pièce devaient se limiter à « la période entre le lever et le coucher du soleil »), de lieu (toute l'action devait se dérouler dans le même locus), et d'action (les intrigues secondaires et le traitement dramatique de plus d'une situation devaient être évités). Tout cela reposait sur une méconnaissance de la Poétique d'Aristote, dans laquelle le philosophe tentait de donner une définition critique de la nature de la tragédie. La nouvelle théorie a été mise en pratique dramatique pour la première fois dans Sophonisbe de Jean Mairet (1634), une tragédie qui a connu un succès considérable » (https://www.britannica.com/biography/ Pierre-Corneille)

* Giangiorgio Trissino (1478-1550), poète et dramaturge né à Vicence, est l’auteur d’une Sophonisbe (Sofonisba), vers 1515 imitée des tragédies grecques. Cette pièce est considérée comme la première tragédie classique italienne. Sofonisba fut une reine numide du IIIème siècle qui choisit la mort plutôt que d’être ramenée captive à Rome par Scipion l’Africain. La pièce, traduite par Mellin de Saint-Gelais a été jouée au Château de Bois en 1556. Par la suite, la pièce a été retraduite et le thème a été plusieurs fois repris notamment par Jean Mairet (1604-1686) qui y introduit la règle des trois unités et par Corneille en 1663.

Lors de sa représentation en 1637, Le Cid ne fut pas appréciée par Richelieu. George Scudéry, frère et co-ateur de Mlle de Scudéry, sauta sur l’occasion pour lancer une cabale contre son auteur tout en étant son ami et prétendit que sa pièce son Amour Tyrannique lui était bien supérieur. Il rédigea pour l’occasion Observations sur Le Cid. 

  Le poète et esthéticien, Jean Chapelain († 1674 voir Particularisme Nationaux/France/Langage Classique), fin connaisseur de la Poétique d’Aristote sur recommandation de Richelieu dut émettre Les Sentiments de L’Académie Française sur la Tragi-Comédie du Cid. Il établira que la création dramatique doit obéir à des règles garantes de sa qualité en leur régularité, que la fable doit être soumise à la vraisemblance, « la rendant crédible auprès de tout honnête homme », que la fiction doit se limiter à une aire unique et que sa durer doit rester proportionnée à celle de la durée de la représentation et ne jamais excéder 24 heures. Ces canons perdureront jusqu’à la Restauration (1816-1830). Chapelain laissera le soin de développer ce modèle dramatique à La Mesnardière dans sa Poétique de 1639 et à l' abbé d’Aubignac dans La Pratique du Théâtre de 1657 (Cf. Michel Corvin Dictionnaire Encyclopédique du Théâtre Bordas 1991). François Hédelin, abbé d’Aubignac (†1676), prédicateur, romancier, dramaturge, poète, théoricien du théâtre, très écouté, eut une forte influence sur les lettres françaises du siècle.

La Comédie-Française

Appelée parfois La Maison de Molière, la Comédie-Française est fondée par une lettre de cachet du roi datée du 21 octobre 1680. Les Comédiens de l’Hôtel de Bourgogne et de l’Hôtel Guénégaud reçoivent ordre de faire jonction. Leur salle est sise rue du Faubourg-Saint Germain qui deviendra le Théâtre de La Nation. Bien que pensionnés, ils sont redevables des dettes engagées par la troupe, mais ils se partagent aussi les recettes. Ils ont charge de l’entretien des bâtiments et de la création de nouveaux et autres travaux.

« Chassés [du Théâtre du Palais Royal, Palais Cardinal], les comédiens de Molière [mort] s’associèrent avec une partie de la troupe du Marais, et s’installèrent, en mai 1673, dans la salle du Jeu de Paume de la Bouteille. La fusion des deux troupes en 1680 à l’initiative de Louis XIV, devait donner naissance à la première Comédie-Française, la salle prenant le nom de Théâtre de Guénégaud » (Jean-Claude Brenac https://operabaroque.fr/academie-royale-de-musique.htm).

Dans les six coups du ‘brigadier’ qui précèdent le lever de rideau, trois sont pour Guénégaud, trois sont pour Bourgogne. Les comédiens ont monopole sur toute la production théâtrale française aux dépend des Italiens. En 1791, la proclamation de la liberté des théâtres abolira se privilège. En 1850, par décret, la gestion de la Comédie-Française est confiée à un administrateur qui a charge de nommer les pensionnaires et de distribuer les rôles. Des décrets dans la seconde moitié du XXème siècle vont préciser le fonctionnement de cette institution, la plus ancienne et la plus prestigieuse du théâtre français, à la fois service public, société privée et entreprise commerciale.

En 1697, les comédiens italiens seront chassés de Paris.

La Comédie Héroïque

« Genre intermédiaire entre la tragédie et la comédie, parfois difficile à distinguer de la tragi-comédie, la comédie héroïque met aux prises des personnages de haut rang dans une action amoureuse au dénouement heureux, puisqu'« on n'y voit naître aucun péril par qui nous puissions être portés à la pitié ou à la crainte » (Corneille, Préface de Don Sanche d'Aragon, 1649). Importée de la comedia espagnole par Rotrou, la comédie héroïque devint un genre nouveau en France avec Corneille et en Angleterre avec Dryden (The Conquest of Granada, 1669). L'héroïque, dans la comédie, se manifeste par des personnages de haut rang, un ton et un style élevés, la noblesse des sentiments et des actions, un certain exotisme des lieux et des personnages. » (Encyclopédie Larousse)

La Comédie- Italienne

Voir aussi Théâtre/Italie

En 1577, Catherine de Médicis, sous le règne de son fils Henri III, fait venir d’Italie, la troupe des Gelosi, Les Jaloux, (jaloux « d’atteindre la vertu, la gloire, et l’honneur » selon leur devise). Troupe qui rencontre un très grand succès. Le Parlement estimant que leur spectacle de Commedia dell’arte (voir plus amplement Bas Moyen-Âge/ Théâtre) donnent à voir et à entendre trop de choses obscènes et paillardes en interdit aussi la représentation. Pour bref que fut le passage de cette troupe dans laquelle les femmes sont admises comme comédiennes au même titre que les hommes (Isabella, Colombine), il n’en a pas moins pour autant marqué de manière irréversible le théâtre français. Cette troupe fut active de 1569 à 1604. La Commedia dell’arte a également marqué de son empreinte tous les pays d’Europe où elle a donné des spectacles.

La Commedia dell’arte, comédie populaire, comédie de l’art (d’improviser), comédie de rue (à l’origine) va recueillir au XVIIème siècle  auprès du public toujours autant de succès qu’au siècle précédent en France comme en Italie et ailleurs. Mais c’est maintenant dans des salles de théâtre comme celle de la grande salle du Théâtre du Petit Bourbon (rive droite, à ne pas confondre avec l’actuel Palais Bourbon, 18^ième s., rive gauche), survivance du Grand Hôtel de Bourbon, réservée aux représentations et cérémonies, que le ‘père’ de Sganarelle qui, s’inspirant largement de ce genre pour ses comédies, joue avec les Béjart, pendant deux ans, en alternance avec la troupe de Tiberio Fiorilli, père de Scaramouche.

Tiberio Fiorilli, dit Scaramouche et sa troupe de comédiens italiens représentants en France de la Commedia dell’arte partagèrent le Théâtre du Palais Royal avec son ami Molière.

« Installée à l’Hôtel de Bourgogne de Paris en 1680, année de la naissance de la Comédie-Française, la Comédie-Italienne joue avec beaucoup de succès un répertoire qui va de plus en plus se transformant, grâce à la collaboration, à partir des années 1690, de nombreux auteurs français1. Nommés « comédiens italiens du roi », les acteurs italiens obtiennent immédiatement une reconnaissance officielle, avec une pension supérieure à celle des comédiens français, et ensuite, en 1684, avec le Règlement de Madame la Dauphine d’Anne Marie Christine de Bavière. Les comédies jouées entre 1682 et 1697 seront ensuite publiées dans le recueil le Théâtre Italien par Evaristo Gherardi (†1700), dernier Arlequin de la troupe. » (https://www.fabula.org/colloques/document5820.php)

Le Théâtre Italien désigne le répertoires des pièces jouées en italien. En 1680 pour le distinguer de la Comédie Française, il sera désigné sous le nom de Comédie Italienne. Ses troupes dont les premières étaient de la Comedia dell’Arte, se succédèrent en France.

En décembre 1645 La finta pazza (La Folle supposée), une «comédie lyrique, ou pièce avec musique et machines » de Francesco Sacrati (1605-1650), compositeur très renommé alors en Italie et auquel le fameux scénographe Giacomo Torelli (1608-1678) apporta tout son art du décor et sa science des machineries, « fut jouée à Paris, dans la salle du Petit-Bourbon, par la troupe de Giuseppe Bianchi, que Mazarin avait fait venir en 1639 pour l’amusement du roi. La Festa teatrale dell’Finta Pazza fut représentée avec les décors et les machines de Giacomo Torelli, venu à Paris à la fin de 1644, et furent également donnés  des intermèdes dansés (Balletti d’invenzione nella Finta pazza) de Giovanni Battista Balbi » (https://operabaroque.fr/Sacrati_Pazza.htm). La finta pazza est considéré comme le premier opéra joué en France

La Comédie de Cape et d’Épée 

Ce genre est une reprise en France de la Comedia de Capa y Espada ( voir Théâtre/ Espagne). Il est souvent associé à la comédie d’intrigue, à, la comédie de caractère, la comédie historique et à la comédie bouffonne. Elle met en scène des chevaliers comme Don Juan ou Don Diego. Et se résume  à des duels à l’épée, l’amant qui se cache, la dame qui s’abrite…

Au milieu du siècle, le public éprouva littéralement un grand engouement pour ce genre. Ces auteurs sont fidèles au genre que les grands auteurs espagnols comme Lope de Vega, Tirso de Molina, Quevedo ont illustré. On pourrait comparer ce genre à nos films contemporains de cap et d’épée : Fanfan la Tulipe, Pardaillan, les Trois Mousquetaires, Le Bossu …

Ses meilleurs représentants en France sont d'Ouville, le premier à l’introduire (L'Esprit folet, La Dame suivante, Scarron (Jodelet ou le Valet maître, Le Gardien de soy-mesme), Thomas Corneille (L'Amour à la mode, Le Geolier de soy-mesme), Boisrobert (La Jalouse d'elle mesme, La Folle Gageure)..

Les Salles

Les salles ouvertes au XVIème siècles resteront en activité au XVIIème au cours duquel de nouvelles salles comme le Théâtre du Marais, seront ouvertes.

Avant la fin du XVI^ème siècle, Paris possédait deux salles de théâtre, le Théâtre du Petit-Bourbon et l’Hôtel de Bourgogne

auxquelles est venu s’ajoutée à la fin du siècle une troisième, l’Hôtel d’Argent.

Les représentations ont lieu en fin d’après-midi. Beaucoup se déroulent encore en plein air. Tout le monde est debout, soit dans le parterre (d’où son nom) soit dans les loges. Les nobles sont assis sur le côté face au parterre et non à la scène. Les premières chaises n’apparaitront qu’en 1782. Certains riches spectateurs ont des fauteuils sur la scène, mais c’est moins pour voir que pour être vus.  La salle est éclairée avec des   bougies, sur les lustres et sur la scène. Toutes les vingt minutes environ, il faut moucher les bougies, c’est-à-dire enlever la partie de la mèche brûlée : c’est l’origine de la durée des actes, même si la division d’une pièce en plusieurs parties date de l’Antiquité.

L’Hôtel du Petit-Bourbon

 Le Théâtre du Petit-Bourbon était l’aile restante du Palais Bourbon (Hôtel du Petit-Bourbon) qui était situé en avant de la façade ouest du Louvre (église St Germain l’Auxerrois) avant qu’il ne soit confisqué en 1523 par François 1er au connétable Charles III Duc de Bourbon ( après de bon et loyaux services, déçu, le duc avait changé de camps et s’était rallié à Charles-Quin). Par ordre royal, il fut en grande partie détruit en 1525. Cette aile restante (avec la chapelle), en fait une immense galerie appelée la ‘Grande Salle’, était utilisée pour les fêtes royales et les Ballets de Cour.

En 1572 la reine Margot et le futur Henri IV s’y marièrent. S’y déroulaient aussi les représentations des comédiens du roi d’où son autre nom de Théâtre du Petit-Bourbon. Molière installé définitivement avec sa troupe à Paris en 1658, après 12 ans d’itinérance en province, y donne cette année-là deux pièces L'Étourdi ou Les Contretemps et Le Dépit amoureux qui lassent un peu le roi ; il présente alors Le Docteur Amoureux, ravi le roi lui confie la salle. Il présentera l’année suivante Les Précieuses Ridicules qui connut avec le jeu du comique Jodelet  succès triomphal. La salle était partagée, en alternance des jours avec  la troupe italienne de la Commedia dell’arte.  Mais le théâtre sera fermé l’année suivante, en 1660 pour construire à sa place la colonnade du Louvre. Les comédiens allèrent jouer au Théâtre du Palais Royal.

L’Hôtel de Bourgogne

L’autre salle, l’Hôtel de Bourgogne était plus grande. Situé entre la Seine et les actuels ‘Grand Boulevards’ (2^ème arr.), Cet hôtel, ancien Hôtel d’Artois construit par Robert II Comte d’Artois († 1302 Bataille de Courtrai), fut agrandit en 1369 (mariage de la Comtesse d’Artois à Philippe Le Hardi) pour devenir comme son nom l’indique, la résidence de Ducs de Bourgogne du XIVème au XVIème siècles, à commencer par Philippe le Hardi (†1404), frère du roi Charles V (†1380). Il n’en reste que sa célèbre Tour Jean-Sans-Peur, rue Étienne Marcel (Paris centre), construite au début du XVe siècle et adossée sur le rempart de Philippe Auguste.

En 1548, François 1^er   vend les hôtels de Bourgogne, de Flandres et d’Étampes. L’Hôtel de Bourgogne   est   transformé en salle de spectacle et   la Confrérie de la Passion, créée par des commerçants, et des artisans de Paris au tout début du XV^ème siècle, avec l’aval du roi Charles VI (1380-1422) s’y installe. La confrérie s’est spécialisée dans la représentation du Mystère de la Passion (voir Moyen-âge/Théâtre). Elle sera dissoute en 1676.

Le lieu n’est pas assez grand pour donner à voir des Mystères. De plus, le Parlement, estimant que cette confrérie n’a pas la compétence pour jouer de tels spectacles sacrés en interdit la manifestation. Elle va donc s’associer à une autre confrérie, les Enfants-Sans-Soucis qui, elle, jouait des farces (à cette époque la farce est intégrée aux Mystères), des Soties (plus irrévérencieuses que les farces) et autres Moralités. Les Enfants-Sans-Soucis et La Basoche (corporation d'étudiants et d’hommes de lois résidant au Palais royal de l'île de la Cité, actuel Palais de justice) continueront à représenter des farces et des soties et la salle restera ainsi active en accueillant des troupes venues de l’extérieur et ne fermera ses portes que peu de temps avant la Révolution.

Le Bateleur Gros-Guillaume après avoir fait partie de la troupe des Enfants-sans-Soucis en 1598, alla jouer à l’Hôtel d’Argent avant de rentrer à l’Hôtel de Bourgogne en 1610. L’acteur Pierre Le Messier dit   Bellerose (1592-1670) fut son second avant de lui succéder en 1630. Il  louera cette salle pour une durée indéterminée «offrant enfin à Paris sa première troupe installée de façon permanente » (Wikipédia/Corneille). Bellerose passait pour un acteur médiocre mais rempli d’initiatives quant à la gestion de son théâtre, toujours en bisbille avec les troupes concurrentes, toujours cherchant à les désorganiser et/ou à faire venir chez lui de leurs comédiens.

En 1642, Richelieu veut donner plus d’éclats à ‘son ‘ théâtre qui regroupe les Grands Comédiens. Il libère plusieurs comédiens du Marais dont Floridor qui succèdera à Bellerose en 1647. Le répertoire doit lui aussi être à la hauteur d’un théâtre royal. A côtés farces et soties d’un Gautier-Garguille, d’un  Turlupin toujours représentées , il s’enrichit des de tragédies, celle de Corneille et d’Alexandre Hardy, de Jean Rotrou , plus tard de Jean Racine.

En Louis XIV décide que ordonne les  troupes de l’Hôtel de Bourgogne  et celle du Théâtre de Guénégaud ne constitue qu’une seule et même troupe. A partir de  1673, les comédiens et comédiennes de l’Illustre Théâtre dirigés par Molières et du Guénégaud  ne formai déjà qu’une seule troupe. De la jonction de cette dernière avec celle du Bourgogne nait ainsi la  Comédie-Française, dont les représentations seront donnée à l'Hôtel de Guénégaud situé  à l’emplacement de l’ancien jeu de paume de La Bouteille, angle des rues Jacques Callot-Mazarine (6^ème arr).

L’Hôtel d’Argent

Le Petit Bourbon était réservé aux représentations des comédiens royaux et l’Hôtel de Bourgogne était le monopole de certaines troupes et de plus 

 « Le 28 avril 1599, le Châtelet de Paris réaffirme la défense de jouer ailleurs qu’au théâtre de l’Hôtel de Bourgogne. Défense également aux bourgeois de louer leur maison à des comédiens. C’est alors qu’une troupe venue à Paris pour la foire Saint Germain voulut s’installer en ville. Menée par les frères Parfait, elle se serait installée dans un théâtre qu’elle aurait fait construire dans le Marais, dans une maison appelée « Hôtel d’Argent ». Pour pouvoir jouer, la troupe s’acquittait d’un écu tournois (environ 211€) pour chaque spectacle auprès des Confrères de la Passion, régisseurs de l’Hôtel de Bourgogne. Toutefois, difficile de vérifier la véracité de cette première histoire. En effet, peu d’écrits l’attestent. En outre, difficile d’imaginer que les Confrères de la Passion se seraient laissés faire comme cela et laisser développer une concurrence… Où se situait l’Hôtel d’Argent ? Là aussi, les sources divergent. En effet, certains expliquaient qu’il se situait rue de la Poterie près de la Grève, ancêtre du parvis de l’Hôtel de Ville actuel. D’autres le voyaient plutôt vers les rues de la Verrerie et de la Poterie [du côté du BHV actuel] ». (https://www.histoires-de-paris.fr/theatre-marais/. Sources : Rigal, Eugène (1856-1920). Esquisse d’une histoire des théâtres de Paris, de 1548 à 1635. 1887).

Le Théâtre du Marais

La troupe brillante qui appartient au Prince d’Orange, dont Charles Le Noir (†1637), membre de Troupe Royale de l'Hôtel de Bourgogne de 1634 à 1637 est l’acteur-directeur et  dont le principal acteur est le célèbre Montdory ( Guillaume Desgilberts 1593-1653) se déplace de tripots en salles de jeu de Paume, bravant le monopole de l’Hôtel de Bourgogne. En 1629, la troupe passant par Rouen, Montdory se voit remettre par un jeune avocat de 23 ans, une comédie en 5 actes Mélite. Montdory comprend tout de suite qu’il a devant lui un futur grand dramaturge. Il aurait représentée tout de suite la pièce et à nouveau à Paris l’année suivante (https://www.britannica.com/ biography/Pierre-Corneille) ou bien « il emporte la pièce à Paris et la crée sur la scène du Jeu de Paume Berthault dans le Marais (Danielle Mathieu-Bouillon voir ci-après) Ce ne semble pas être cette pièce qui sera jouée à L’Hôtel de Bourgogne mais la deuxième comédie du jeune avocat de Rouen, Clitandre en 1631

En 1632, la troupe s’installe au jeu de Paume de la Fontaine, rue Michel-le-Comte et joue en 1633 une comédie de Corneille la Veuve et la comédie  Le Trompeur Puni, comédie de Georges de Scudéry. Suivront de Corneille toujours pour Montdory les comédies La Veuve et La Galerie du Palais données en 1633 à La Fontaine. La Suivante et La Place Royale auraient été représentées à l’Hôtel de Bourgogne en 1634, année où Montdory ouvre le Théâtre du Marais…? Représentées donc entre l’incendie du jeu de Paume de La Fontaine et l’ouverture du Marais ?

La troupe se voit interdite de représentation sur nouvelle plainte d’habitants du quartier du Grenier-Saint, toujours dans le Marais, qui estiment que les rues sont trop dangereuses pour pouvoir supporter la venue de spectateurs. Cette fois-là, le Parlement ne les délogea pas. Montdory a la protection de Richelieu. Fort de ce jugement, la troupe resta et jouera jusqu’en 1634, profitant d’un bail donné par des particuliers. En 1634, le jeu de paume de la Fontaine  est ravagé par un incendie et Montdory loue rue Vieille-du-Temple le jeu de paume du Marais, troupe prenant la place de la troupe des Petits Comédiens du Marais. En fait, la troupe ne s’était déplacée que de quelques mètres par rapport à Berthault pour aller jouer dans ce jeu de paume du Marais sis n° 90 de l’actuelle rue Vielle du Temple.

Le Jeu de Paume du Marais devient le Théâtre du Marais. Ses acteurs constituent ainsi la deuxième troupe permanente de Paris après celle de Bellerose à l’Hôtel de Bourgogne créée en 1630 ; viendra en troisième celle de l’Illustre Théâtre de Molière-Béjart créée en 1643 au Jeu de Paume des Métayers au n°12 de l’actuelle Rue Mazarine. Ils seront appelés les « petits comédiens » par opposition aux « grands comédiens » de l’Hôtel de Bourgogne. En 1637, la troupe du Théâtre du Marais connait un immense succès avec la mise en scène du Cid de Corneille. Elle jouera désormais les grandes œuvres du dramaturge.

« Le 15 janvier 1644, un incendie détruit le jeu de Paume du Marais qui est transformé en Théâtre à la Française : un carré long, dans lequel, une scène peu profonde et un parterre à l'usage du public debout, est cerné par une galerie sur laquelle des loges permettent à la belle société assise d'éviter toute gênante promiscuité. L'ensemble sera bientôt équipé de machines qui orchestreront de savants changements de décors. Rouverte en octobre, cette nouvelle salle permit alors d’intégrer des décors de plus en plus somptueux. Nous sommes dans un tournant du théâtre à cette date. En effet, fini le décor austère du théâtre de la Renaissance. Il devient alors éclatant, et changeant pour les besoins des mises en scène »(citation et pour cette section :Danielle Mathieu-Bouillonhttp://www.regietheatrale.com/index/index/thematiques/histdestheatres/3-17eme1.html).

1659, Le théâtre ferme. Son acteur le plus connu, Jodelet († 1660), entre dans la Troupe du Roy, dirigée par Molière, pour interpréter dans Les Précieuses Ridicules, le rôle du Vicomte Jodelet

Théâtre du Palais Royal

En 1637, Richelieu pour briser le monopole de l’Hôtel de Bourgogne fait ériger un théâtre dans l’aile Est du Palais Royal (le Palais Cardinal qu’il s’est fait construire rue St Honoré en 1628). Il l’offrira à Louis XIII en 1636 et deviendra la résidence d’Anne d’Autriche, épouse de ce dernier. A la fin du siècle, il passera à la branche des Orléans.

Les premières représentations débutent en 1641 avec une tragi-comédie du poète et dramaturge  Jean Desmarets (1595-1676) de Saint Sorlin, Mirame. Molière et sa troupe viendront y jouer de 1662 à 1673, année de la mort de Jean-Baptiste Poquelin. Tiberio Fiorilli, dit Scaramouche, et sa troupe de comédiens italiens représentants en France de la Comedia dell’arte partagèrent le théâtre avec son ami Molière. (voir ci-après Le Théâtre Italien).

Le théâtre fut détruit par un incendie cette même année et reconstruit dès 1674. Il sera  de nouveau détruit par le feu en 1781 et jamais reconstruit.

 

« Chassés, les comédiens de Molière [mort] s’associèrent avec une partie de la troupe du Marais, et s’installèrent, en mai 1673, dans la salle du Jeu de Paume de la Bouteille. La fusion des deux troupes en 1680 à l’initiative de Louis XIV, devait donner naissance à la première Comédie-Française, la salle prenant le nom de Théâtre de Guénégaud » (Jean-Claude Brenac https://operabaroque.fr/academie-royale-de-musique.htm).

En 1674, à sa réouverture, Lully inaugurer la nouvelle salle occupant du théâtre du Palais-Royal avec qa première tragédie-lyrique que d’aucuns considèrent comme un des premiers opéra français avec Pomone de Perrin, Cadmus et Hermione. Cette salle deviendra le siège définitif de l’opéra.

L'Académie Royale de Danse avait été fondée en 1661 à l'initiative du Roi Soleil, excellent danseur.

Hôtel Guénégaud ou Salle de la Bouteille

En 1669, Louis XIV délivra au compositeur Pierre Perrin, poète lyonnais, les lettres patentes autorisant de manière officielle la création de l’opéra français. En 167o, le Lieutenant de Police de Paris La Reynie pour qui Louis XIV venait de créer le poste pour que soit créée la première police française, donna l’ordre d’interdire que soit joué à la salle du Jeu de Paume du Béquet ou de Bel-air, sise rue de Vaugirard, la pastorale Pomone (nymphe des jardins), livret de Perrin et musique de Robert Cambert (voir Musique/France). Perrin  alla la représenter en 1671 à la Salle de La Bouteille ou Salle du Jeu de Paume de la Bouteille sise rue des Fossés de Nesles, aujourd’hui au 42 rue Mazarine.  L’Illustre Théâtre de Molière-Béjart s’était installé en 1643 au Jeu de Paume des Métayers au n°12 de l’actuelle Rue Mazarine. Le succès de Pomone que l’on considère être la première œuvre opérique française fut immense. Et en raison de trop de dettes, Perrin fut jeté en prison et le roi le destitua de son privilège et dû vendre son privilège. En 1672, Louis XIV l’octroya à Jean-Baptiste.

Quelque mois plus tard, en 1673, le roi assista à la « première » de Cadmus et Hermione  composé par le maitre italien. Première tragédie en musique que d’aucuns considèrent  comme le premier opéra français. Le roi, enchanté, met la salle du Palais-Royal à sa disposition. Son Académie de Musique qu’il a créé un an plus tôt en récupérant le privilège de Perrin devient l’Académie Royale de Musique. Lully s’implante à la place des comédiens de Molière qui y jouaient depuis 1662 et qui en sont chassés.

Molière mort,  des comédiens la troupe de Molière et  du Théâtre du Marais s’installe à la Salle de la Bouteille qui devient le siège du Théâtre de Guénégaud.

« En 1680, après avoir fusionné avec la troupe de l'Hôtel de Bourgogne, sur ordre du roi, la compagnie prend le nom de Comédie-Française et continue à se produire dans le Guénégaud jusqu'en 1689. En 1687, les Comédiens Français sont chassés de leur théâtre et sont mis dans l’impossibilité de s’installer où que ce soient par le fait des curés et des nobles qui veulent satisfaire à l'austérité morale imposée par Madame de Maintenon, mais aussi parce que les doctes Sorbonnards vont venir s’installer au nouveau Collège des Quatre-Nations. Situé en bordure de Seine, sa façade ouest dont l’ensemble des travaux va s’achever en 1688, sera la (bibliothèque) Mazarine. » (Pierre Dux raconte l’Histoire de La Comédie Française).

Après huit mois de recherche, les comédiens de Molière vont faire l’acquisition du jeu de paume de l’Étoile et de deux immeubles attenants, situés plus au sud de la Seine, dans la rue des Fossés Saint-Germain-des-Prés, l’actuelle rue de l’Ancienne Comédie. En 1689, la Comédie Française rouvre ses portes dans le nouvel hôtel conçu par d’Orbay, hôtel qui prendra le nom en 1770 d’Hôtel des Comédiens Ordinaires du Roi. Plus d’un jeu de paume a été investi et aménagé en théâtre dans la seconde partie du siècle par les troupes cherchant où se produire.

Le Théâtre de La Foire

« Ce théâtre est issu d'une tradition beaucoup plus ancienne, qui remonte au début du XIIème siècle, que constitue la Foire Saint-Germain. Il y a aussi la Foire Saint-Laurent, plus récente, qui date du milieu du XIVème siècle, et qui est aussi le lieu de représentations. L'alternance des deux foires est particulièrement propice au développement populaire de ce théâtre. L'une a lieu au printemps (Saint-Germain), et l'autre en été (Saint-Laurent), et duraient deux mois chacune. Les spectacles à la fin du XVIIème siècle, étaient des comédies, mêlant avec ingéniosité différentes activités du spectacle: marionnettes, danseurs de corde... » (https://classik.forumactif.com/t3982-l-opera-francais-et-italien-au-xviieme-xviiieme-siecle).

Au XVIIIème siècle, Le Théâtre de la Foire désignera les spectacles de genre Opéra-Comique, donnés dans ses foires annuelles de Saint Germain (des Près) en hiver, et de Saint Laurent dans l'enclos Saint Laurent bordé par les rues parallèles de St Denis et De St Martin. Pour la foire de Saint Germain, Rameau qui ne sera jamais représenté à l’Opéra écrira L’Endriague (1723), Les Sauvages (1725), L'Enrôlement d'Arlequin et La Robe de Dissension (1726) toujours sur des livrets de Piron.

Le Théâtre des Tuileries

La Salle des Machines ou Théâtre des Tuilerie est bâtie en 1660 au Palais des Tuileries, lui -même bâti en 1564 à l’initiative de Catherine de Médicis sur l’emplacement d’anciennes tuileries, entre les actuels Pavillon de Flore et Pavillon de Marsan. Le palais et la salle seront entièrement incendiés et explosés (barils de poudre) en 1871 pendant la Commune. Les expression ‘côté jardin ‘ et côté ‘cour’ qui désignent les deux côtés (entrées et sorties) d’une scène font référence au palais des tuilerie pour le côté jardin et au palais du Louvre pour le côté cour. Pour s’en souvenir, le moyen mnémotechnique est de se souvenir face à la scène du J et du C de Jésus-Christ.

La salle construite par l’architecte du roi Louis Le Vau (Châteaux de Vau-Le-Vicomte et Versailles) doit son nom à l’ensemble de la machinerie très complexe mise au point par son architecte de la salle Gaspare Vigarani (1588-1663) et son fils. Tout un système de trappes et de poulies permettaient les changements de décors à vue et surtout l’apparition du deus ex machina. Au grand ravissement du public, notamment lors de la représentation des ballets-de-cour.

A l’occasion du mariage de Louis XIV et de l’infante Anne d’Autriche en  1660, la salle est inaugurée avec le dramma per musica Xerse du compositeur Francesco Cavalli (1602-1676), auquel fut ajouté des ballets de son rival Jean-Baptiste Lully. En 1662 y est donné Ercole Amante qui n’avait pu être représenté pour le mariage. En suite, la salle n’eut à recevoir que très peu de représentations du fait que le Roi Soleil avait porté dès 1661 son dévolu sur le pavillon de chasse de son père dont il entreprenait alors la métamorphose. Elle ne fut utilisée par la suite que de manière épisodique dans des circonstances variées et subissant maintes transformations.

Les Comédien(ne)s

Le Statut de Comédien

Au XVIIème siècle, dans l’Europe chrétienne, les comédiens et comédiennes ont mauvaise réputation. Ils sont considérés comme des personnes immorales à cause de leur mode de vie, vie itinérante et communautaire. Cette mauvaise réputation tient à l’excommunication que l’Église fait peser sur eux. Malgré une déclaration de Louis XIII en 1641, à l'initiative de Richelieu, qui levait l'infamie pesant sur les comédiens, l’Église continue, dans de nombreuses villes, petites ou grandes, de s'opposer aux représentations théâtrales.

Font exception les comédiens des troupes protégées par un grand seigneur, un duc, un prince, et bien sûr le roi qui leur attribue des salles (Palais-Royal, Petit Bourbon…). Les comédiens royaux, souvent issus de la bourgeoisie, ont reçu une éducation et sont cultivés. Ils se marient et baptisent leurs enfants. « Il n’empêche que, pour être enterré religieusement, il faut avoir renoncé à sa profession, quitte à ce que ce soit dans les derniers instants ». (citations et pour cette partie http://blog.ac-versailles.fr/ interviewimaginairemondemoliere/index.php/post/07/02/2018/Les-comédiens -au-XVIIème-siècle).

Ils sont pour la plupart pauvres car ils ne sont pas rémunérés, les recettes passaient dans la gestion de la troupe ( location de salles, costumes, nourriture, déplacements…). Ils se partagent le surplus quand il y en a un, y compris ‘le poète à gage’, autrement dit l’auteur. Leur sort va s’améliorer au cours du siècle grâce au développement des représentations mais grâce à Richelieu, qui, féru de théâtre, a créé le groupe des ‘Cinq Auteurs’ qui réunit des dramaturges dont Corneille. Le Cardinal fournissait en personne à ces auteurs l’idée et les grandes lignes des pièces qu’il leur demandait d’écrire (https://www.britannica.com/biography/ Pierre-Corneille).

Louis XIII aura développé un système de pension pour les troupes de l’Hôtel de Bourgogne, du Marais et du Palais-Royal. Pour concurrencer les troupes italiennes et la commedia dell’arte, qui influença beaucoup les comédies de Molière, et plus tard, au XVIII^e siècle, le théâtre de Marivaux, en 1680, Louis XIV fonde la Comédie-Française en ordonnant la fusion des troupes de L »’Hôtel de Bourgogne et du Théâtre de Guénégaud créé lui-même en 1673 à la mort de Molière quand ses comédiens rejoignirent la troupe du Théâtre du Marais.

A savoir que dans ses troupes, les comédiens et comédiennes était classé(e) selon une certaine hiérarchie qui les situaient en fonction de leur ‘part’. Les principaux rôles étaient dévolus aux comédiens et comédiennes qui avaient ‘une part entière’, les rôles les moins importants étaient donnés à ceux et celles qui ne possédaient que ‘un quart de part’, les rôles de second plan étaient distribués à ceux et celles possédant ‘une demie part’.

Farceurs et Bateleurs

A côté des tragédies et des comédies du théâtre savant qui a pour public une élite intellectuelle, à côté des pastorales et tragi-comédies représentées à la cour, Paris avec ses ponts offre sa grande scène aux tréteaux des farceurs et des bateleurs «qui divertissent sur la place publique par leurs tours d’adresse et leurs bouffonneries et invitent la foule à assister aux farces et soties jouées dans les théâtres, et particulièrement à Paris dans les Théâtres de La Foire qui se tenaient lors des très anciennes foires de St Germain et Saint Laurent ». Foires qui trouvent leurs origines au XIII^ème siècle et XIVème siècles, et dont au XVIII^ème, Rameau, qui n’a jamais été joué par l’Opéra de Paris[1], en sera un des plus fidèles participants (voir Âge Classique/ Musique/Rameau). Les bateleurs du XVIème au XVIIème siècles interprètent des personnages truculents dans les ‘Parades’, ces spectacles joués sur des tréteaux devant le théâtre forain pour attirer la foule. Certains, très renommés sur la place de Paris, vécurent à cheval sur les deux siècles.

Gros-Guillaume

Robert Guérin, (dit La Fleur 1554-1634) joua le rôle de Paillasse, le Pagliaccio de la Commedia dell’arte, reconnaissable à ses gros boutons sur sa tunique, « benêt ridicule et grotesque dont la maladresse excessive excite toujours les rires de l’auditoire, et qui reçoit sans cesse de ses compères force horions et coups de pied indiscrets » (Wikipédia). Il était souvent invité par Henri IV à venir jouer au Louvre.

En 1598, il faisait partie de la troupe des Enfants-sans-Soucis, troupe ancienne des ‘Sots’, joyeux bouffons porteurs de grelots qui depuis le Moyen-Âge présentaient sotties, farces et autres moralités. Puis il alla jouer à l’Hôtel d’Argent avant de rentrer à l’Hôtel de Bourgogne en 1610. (voir Théâtre/Introduction).

L’acteur Pierre Le Messier dit   Bellerose (1592-1670) fut son second avant de lui succéder en 1630.Bellerose épousa Nicole Gassot, dite Mademoiselle Bellerose (†1679) qui de 1638 à 1660, date à laquelle elle se retira de la scène, fut la Demoiselle (comédienne au théâtre quel que soit son âge) plus renommée du ‘Bourgogne’.

Turlupin

Formé en province, Henry Legrand (1587 ?-1637) jouera vers 1615 le personnage d’un turlupin dont il a tiré son surnom. D’abord sur les tréteaux des Halles et du Pont-Neuf, puis à l’Hôtel de Bourgogne où son nom reste associé à ceux de ses camarades Gaultier Garguille et Gros-Guillaume pour les comédies et à celui de Belleville pour les pièces sérieuses.   

« Le nom de Turlupin était déjà courant à cette époque : il désignait à l'origine un personnage souffreteux, que Henri Legrand a transformé en lui ajoutant un caractère fourbe, qui dénote des influences de la comédie italienne. D'autre part, une gravure de Mariette, représentant les trois farceurs de l'hôtel de Bourgogne, nous montre que Turlupin portait un masque voisin de celui de Brighella et un costume hérité du second Zani (le Zani fourbe) [*]. Le personnage créé par Henri Legrand est le plus « italien » des personnages du trio : stupide en apparence, il est fourbe, galant, il aime la bonne chère. C'est l'ancêtre direct du Mascarille [L’Étourdi, Lyon 1655] et du Scapin [Les Fourberies, 1671 Palais royal)] de Molière. » (Encyclopædia Universalis) [* Il portait un chapeau à larges bords, un mantelet, un pantalon rayé, un masque avec moustache et barbe hirsutes et au flanc un sabre de bois.]

Le turlupin désigne aussi un mauvais plaisant, quelqu’un qui fait des blagues de mauvais goût, des turlupinades. Turlupin eut avoir aussi le sens de mauvais comédien et turlupinades de saynètes où se succèdent coq-à-l'âne, calembours et plaisanteries. 

Les turlupins étaient « les membres d'une secte qui se répandit au XIV^es. en France, en Allemagne et dans les Pays-Bas et qui soutenait qu'on ne doit avoir honte de rien de ce qui est naturel. » (d'apr. Littré). Legrand avait la réputation d’être gentil, d’agréable conversation.

Gaultier-Garguille

Hugues Guéru (1582-1633), normand d’origine, fut surnommé ‘Fléchelles’ (dans les pièces sérieuses), ‘Gaultier-Garguillo’ à Rouen et ‘Gaultier-Garguille’ou ‘Gaultier-Garguif’ à Paris dans les farces. A la fois comédien, poète et chansonnier grivois, il est l’auteur de farces, de facéties (plaisanteries plutôt lourdes accompagnées de beaucoup de gestes et d’autant de paroles) et de chansons. Il a épousé la belle-fille de Tabarin.

Après avoir joué dans les foires (St Germain, St Laurent), il se spécialisa dans le rôle d’un vieillard qu’il jouait à l’Hôtel d’Argent dès 1598 (et non au Théâtre du Marais ouvert en 1634). Il chantait à la fin de son spectacle des chansons grivoises qui firent sa renommée. En 1619, il entre à l’Hôtel de Bourgogne, mais lui et son ami Turlupin en seront chassés par un autre spectacle quelques années plus tard. Ils iront jouer à l’Hôtel d’Argent dans le Marais.

« Maigre, avec de longues jambes fines et un gros visage, il jouait avec un masque à longue barbe pointue. Il portait une calotte noire et plate, des escarpins noirs et des manches de frise rouges, un pourpoint et des chausses de frise noire. Comédien de prédilection de Richelieu et Louis XIII, il fut surnommé ‘la merveille des comédiens de France’ ». (https://tombes-sepultures.com/crbst_312.html)

« Associé à Gros-Guillaume et à Turlupin, il interpréta à l'Hôtel de Bourgogne des farces de son invention. Il a joué également la comédie et la tragédie sous le nom de ‘Fléchelle’[?]». (Encyclopédie Larousse)

« Attaché à l’Hôtel de Bourgogne, il excellait à contrefaire les Gascons et les vieillards dupés : son jeu était d'une bouffonnerie et d'un naturel achevés ». (https://cosmovisions. com/GautierGarguille.htm) 

Tabarin

Antoine Girard (1584-1626 dit Tabarin) doit son nom au manteau noué à hauteur des coudes qu’il portait, le ‘tabar’ l’ancien surcot (sur côtes de mailles) avec armoiries que les chevaliers enfilaient sur l’armure. Il haranguait les passants sur le Pont-Neuf ou Place Dauphine à Paris pour leur vendre potions et élixirs. Avec son frère Mondor qui jouait le rôle du maître, ils discutaillaient sur tous les sujets du moment ou sur de grands sujets philosophiques du genre … Pourquoi les chiens lèvent la jambe en pissant ?

L’inventaire universel des œuvres de Tabarin, contenant ses fantaisies, dialogues, paradoxes, farces paraît en 1622.

Mondory

Guillaume Desgilberts dit Mondory ou Montdory (1594-1653), né et mort à Thiers (>Puy-de-Dôme), issu de ma moyenne bourgeoisie, fait des études de droit. Il est placé comme clerc chez un procureur qui, amateur lui-même de théâtre, lui recommande d’aller assister aux représentations des troupes de passage. Le jeune guillaume s’éprend ‘une actrice de la troupe d’un dénommé Le Noir qui, selon certaine source aurait été le directeur de cette troupe qui, appartenant au Prince d’Orange, s’installera plus tard dans le Marais dans une salle de jeu de Paume qui deviendra Le Théâtre du Marais. La plupart des sources mentionnent Mondory comme agissant dès le début comme en tant que directeur de la troupe ?). A-t-il pris la succession de Le Noir et quand ?

Malgré la farouche résistance de la belle, le futur Mondory décide de devenir comédien et s’engage dans la troupe. Le comédien prendra le nom de scène de Mondory qui lui vient d’un parrain, Lecourt de Mondory, petit seigneur du Puy-de Dôme.

La troupe est itinérante comme la plupart des troupes de cette époque à laquelle seule celle de L’Hôtel de Bourgogne joue à résidence. Installée au Marais (voir Les Salles) en 1634, la troupe donn en 1635, Médée de Corneille et l’année suivante L’Illussion (Comique) du même et La Mariane de Tristan L’Hermite. L’année suivante, la représentation du Cid donnera lieu à une polémique sur le fond comme sur la forme de cette tragédie, mais eut l’avantage pour son auteur d’être reconnu. Malheureusement, celui qui passe pour le meilleur acteur français (excellent dans l’interprétation des scènes de folie), est frappé d’une paralysie de la langue. Il est aussitôt remplacé par Philidor qui deviendra tout aussi célèbre. Sa carrière d’acteur finie, il ne survivra que de la pension que lui accorda Richelieu et des rentes versées par des mécènes.

Outre Corneille et Scudéry, Montdory, généralement dans le rôle principal, joua du Tristan L’Hermite par qui il connut de ses plus grand succès.

Floridor

Josias de Soulas, dit Floridor (1608-1671), gentilhomme de petite noblesse, fils de pasteur, entama une carrière militaire avant de se faire comédien, jouant en Province et jusqu’à Londres (selon Georges Mongrédien, La Vie quotidienne des comédiens au temps de Molière). Après être entrée en 1638 dans la troupe de Mondory qui créent les pièces de Corneille au Théâtre du Marais, il est engagé à l’Hôtel de Bourgogne par Bellerose en 1647. Le répertoire de Corneille entre ainsi au ‘Bourgogne’ dont il prendra la direction. Avec Montdory et Molière, il est l’acteur le plus connu du XVIIème siècle, plus complet sans doute que Molière. Madeleine Béjart et Mademoiselle Bellerose étant leurs équivalents féminins quant à la célébrité.

L’acteur Pierre Le Messier dit   Bellerose (1592-1670) a été le seconde Grand-Guillaume de lui succéder en 1630. Grand-Guillaume a fait partie de la confrérie des Enfant avant d’aller jouer à l’Hôtel d’Ergent puis à L’Hôtel de Bourgogne en 1610.

Jodelet

Julien Bedeau, dit Jodelet (1586-1660), né à Angers (ou Angers ?) et mort à Paris, joua d’abord dans la troupe de Montdory, mais le quitta en 1634 quand ce dernier ouvrit le Théâtre du Marais. Sur ordre du roi, il alla jouer au théâtre ‘officiel’ (royal), l’Hôtel de Bourgogne. Mais rejoint Mondory en 1642. Employé dans les rôles de valet, son physique disgracieux et sa voix d’éternel enrhumé prêtaient déjà à  moquerie. Il trouva sa résilience en créant le personnage du valet vulgaire, antipathique, fouineur, matois, gafeur adapté à son physique. Si personnage si bien campé, que les auteurs écrivirent pour le mettre en scène : Jodelet ou le Maître valet (1645), et Jodelet duelliste (1646), D’Ouville († 1656) écrivit Jodelet astrologue (1646), et Thomas Corneille Jodelet Prince (1655). Pour Les Précieuses Ridicules, Molière arriva à l’’arraché’ en 1659 à Mondory. On ne sait si son visage enfariné dans son rôle du Comte Jodelet, que Molière créa exprès pour lui est une initiative de Jodelet qui datait du Marais ou si c’est Molière qui en décida. Le fait que Mascarille (Molière) justifie ce maquillage par une peu vraisemblable raison : « Ne vous étonnez pas de voir le Vicomte de la sorte : il ne fait que sortir d’une maladie qui lui a rendu le visage pâle comme vous le voyez. » tendrait à montrer que c’est Jodelet qui tint à garde sa face blanchit qui avait dû lui valoir un bon succès au Marias et qui plus est campé un peu plus son personnage. Il portait aussi d’une grande moustache. Son déguisement ne va pas sans faire penser à celui de personnages de la Commedia.

Il meurt l’année suivante à 60 ans. L'Epy ( François Bedeau) était le frère cadet de Jodelet. Lui aussi comédien, il joua au Marais et chez Molière.

Montfleury

Zacharie Jacob de Montfleury, dit Montfleury (1608-1667), né à Château-Gontier en Anjou et mort à Paris, fils d’un comédien et d’une comédienne de la troupe d’Anger, il ‘monte ‘ à Paris et repéré par Richelieu qui devient son protecteur, il entre à L’Hôtel de Bourgogne. Montfleury a été un acteur complet capable de donner dans tous les genres du théâtre.

Il fit sa renommée sur sa voix de Stentor. On dira moqueur qu’il est mort d’un éclat de voix. « « Très gros et possédant une voix tonitruante », Montfleury est mort, « dit la tradition, d'un trop grand effort de voix qu'il a fait dans la tirade de la folie d'Oreste », juste après une représentation d'Andromaque de Racine. (Georges Mongredien, La Vie quotidienne des comédiens au temps de Molière op.cit.). Cyrano  l’a dit mauvais.

Michel Baron

Michel Boyon dit Baron (1653- 1729) , né et mort à Paris et le fils d'André Boyron dit Le Baron (1600-1655) et de Jeanne Auzoult dite ‘M^lle Baron’ ou ‘La Baronne’ (1625-1662). Ils appartenaient tout deux à la troupe du Marais. Il perdit son père à deux ans[2] et sa mère à neuf. On le place alors pour cinq ans dans la troupe des petits comédiens du Dauphin que dirige Marguerite Siret, Françoise Pitel de Longchamp (1662-1721), dite ‘La Raisin’ dite aussi Fanchon, petite fille du célèbre acteur Turlupin Elle  donna à la Comédie-Française une farce, Le Voleur ou Titapapouf. Son marie, le dit Raisin, originaire de Troie était l’inventeur d’une épinette avec laquelle il fit fortune.

Selon le sieur de Grimares qui écrivit la première biographie de Molière (1706) à laquelle participèrent grandement Baron  Esprit-Madeleine Poquelin, fille de Molière et d’Armande, la troupe donna en 1666 une représentation au Palais-Royal, la salle dont Molière était le directeur. Il remarqua le jeune Baron alors à peine âgé de 12 ans et obtint l’autorisation du roi de l’intégrer à sa troupe. Il créa pour lui dans Mélicerte, le rôle d’un jeune adolescent de 12 ans d’une grande beauté admiré des nymphes, Myrtil. Mais d’autres sources indique qu’il n’entra dans la Troupe du Roi du Palais Royal (de Molière) qu’en 1670. Entre temps, il intégra la troupe itinérante du Duc de Savoie, petit-fils d’Henry IV par sa mère.

Entrée chez Molière, alors qu’il n’a que 156 ans, de façon exceptionnelle, une ‘part entière’ lui est attribuée, celle des rôles principaux. Il tint alors parmi les premiers rôles. A en croire Grimares, il aurait assisté Molière dans ses derniers instants à sa mort en février 1673, l’aurait annoncé le lendemain au roi et une semaine plus tard incarné l’Alceste du Misanthrope au Palais-Royal.

Avec d’autres comédiens, il rejoint la Troupe royale de l'hôtel de Bourgogne. Une autre partie de la troupe rejoindra celle du Marias avec qui elle ouvrira le Théâtre de Guénégaud. En 1680, selon la volonté de Louis XIV, l’ensemble de ces troupes seront réunis pour constituer la Comédie- Française.

En 1673/75, à 22 ans,  il épouse Charlotte Le Noir, âgée de 14 ans qui, entrée dans la troupe en 1673, reste connue comme comédienne sous le nom de Mlle Baron (seconde du nom). Leur fils aîné Étienne-Michel entrera à la comédie Française en 1695 à l’âge de 19 ans sous le nom de ‘Baron fils.’

En 1685, La Comédie -Française donne de lui une pièce en vers Le Rendez-vous des Thuilleries ou le Coquet trompé (musique de M6A Charpentier). Cinq autres suivront en prose ou en vers qui étaient encore représentés au XIXème siècle. A l’apogée de sa carrière, Baron est reconnu comme le meilleur acteur de sa génération pouvant interpréter tous les registres.

En 1691, il se retire du théâtre avec la pension devenue habituelle de 1000 livres auxquels viennent s’ajouter une rente royale de 1500libres. Mais, il a déjà amassé une belle fortune qui lui a permis d’acheter un hôtel particulier pour 23000 livres (dans le 5èm*me arr.). Les historiens avancent plusieurs raison à ce départ dont une serait la menace du parti des dévots, fort influent surtout depuis 1682 (installation définitive du roi à Versailles, mariage secret avec Mme de Maintenon). En tout état de cause, la Princesse Palatine, belle-sœur du roi écrira dans une de ses lettres : « le gars [ de Kerl] jouait prodigieusement bien. Il s'appelle Baron. Si je n'avais pas craint de me mettre à dos les dévots, je lui aurais persuadé de rester. »

La princesse ne lâchera pas le morceau et grâce à elle, et en 1720, Baron remonte s sur les planches pour interpréter devant le Régent Cinna dans la pièce éponyme . Ainsi jusqu’à la fin de sa vie, neuf ans plus tard, il interprètera les premiers rôles dans les tragédies et comédies de Rotrou (1609-1650), Corneille, Molière, Racine et dans les premières représentations des auteurs de la nouvelle génération, Crébillon père, Marivaux et même Voltaire (Mariamne tragédie en 5 actes 1724).

Il meurt à l’âge de 76 ans alors qu’il s’apprêtait à tenir le premier rôle dans une pièce de Rotrou.

« L'éditeur des Mémoires du marquis d’Argens, reprenant des passages de La Fameuse Comédienne, relaie ces insinuations dans une note consacrée à Baron : “Molière, fatigué des tourmens de jalousie que la Guérin lui donnait, résolut de donner des soins à Baron, qui était jeune et beau. Il le tenait chez lui comme son enfant, et cultivait en lui les dispositions qu’il y remarquait à devenir bon comédien. “… Il  fut un élève de Molière et “son amant passionné” (Wikipédia).  

Selon A; Coppin, Molière traita le jeune Baron comme un père traite un enfant, le nourrit, le logea et le vêtit, ce dont le jeune enfant lui en fut reconnaissant toute sa vie.

Les Comédiennes

Contrairement à une idée reçue, les femmes, dès le dernier quart du XVIème siècle pouvaient monter sur scène, et ce grâce à deux femmes, Catherine de Médicis et la reine Christine de Suède. Mais déjà, auparavant, Anne de Bretagne († 1514), épouse de Charles VIII, en avait la possibilité à Lucresse, une danseuse florentine.

En 1577, Marie de Médicis fait venir la troupe des’ Gelosi’ (les jaloux) qui donne au théâtre de l'Hôtel du Petit-Bourbon des représentations de la commedia dell'arte dans lesquelles les personnages féminins comme Colombine et Isabella sont tenus par des femmes. La poétesse et comédienne Isabella Canali (1562-1604) a d’ailleurs pu être la directrice de la troupe qui est venue à Paris en 1604. A 16 ans, en 1578, elle a épousé Francisco Andreini, qui tenait le rôle du ‘Capitan’ (le ‘Matamore’) et est entrée dans la troupe où elle a interprété le rôle de l’ ‘Amoureuse’ à qui elle a donné son nom. Ses scènes de folie lui attirèrent un grand succès. Poétesse, elle a écrit des sonnets.

 Les actes notariés et les contrats permettent de connaitre par leur unions, les noms et adresses des comédiens et comédiennes. Par exemple, on sait qu’en 1600, Innocente Gargante, était une comédienne italienne, logeant rue Pavée ; en 1603, sa troupe, dirigée par Angela Maloni jouait à l'hôtel de Bourgogne ; en 1610, un comédien dénonça le contrat qu’il avait passé avec le deux directrices d’une troupe, Rachel Trepeau et de Marie Venièr ; Marguerite Dugay était une autre directrice de troupe. (cf https://francearchives.gouv.fr/fr/ article/ 87249788)

Mademoiselle Des Œillets

Alix Faviot dite Mademoiselle Des Œillets (1650-1670), né et morte à Paris interpréta les tragédies de Pierre Corneille et Jena Racine.  

M^lle de Brie

Catherine Leclerc du Rozet, dite M^lle de Brie ( 1630-1706), née et morte à Paris, est la file de Claude <Leclerc du Rozet, comédien de la Troupe du Grand Monsieur. Elle épouse n 1650 d’Edme Villequin dit De Brie (1607-16765). Le couple intègre à Lyon la troupe de Molière dans laquelle Du Parc fera toute sa carrière.

Elle partagea les premiers rôles avec Madeleine Béjart de 12 ans son aînée. Son rôle phare est celui de l’ingénue Agnès (« Le petit chat est mort ») de L’École des Femmes, rôle qu’à la demande du public, elle interprètera jusqu’en 1684, date à laquelle elle sera mise à la retraite.. Un autre de ses rôles marquant est celui de Dorimène dans Le Bourgeois Gentilhomme donné pour la première fois en 1670 au Château de Chambord (une des rares fois où XIV s’y trouva) avec chorégraphie de Pierre Beauchamp sur une musique de Lully.   Elle est une des premières sociétaires de la Comédie-Française créée en 1680. Mise à la retraite en 1684, elle recevra une pension.

Marie Claveau

Marie Claveau dite M^lle Du   Croisy (1619-1703), née à Sainte-Hermine (Vendée) et morte à Roinville (s.o. de Paris), veuve, se remarie en 1652 à Poitiers avec Philibert Gassot, dit Du Croisy..

Le couple entre dans la troupe de Molière en 1659, quand Molière s’installe à Paris mettant fin à son itinérance provinciale. Certaines source indique que comédienne par trop médiocre et d’un caractère insupportable, elle est exclue en 1665. Or Les Archives du Spectacle mentionne Mlle du Croisy comme ayant jouée dans les trois pièces de Molière : Les Précieuses Ridicules en 1659 au Petit-Bourbon, dans l’Impromptu de Versailles en 1663 à Versailles et dans Psyché en 1671 au Tuileries.

Elle fait partie tout naturellement de la Comédie-Française lors de sa fondation (fusion de sa troupe avec celle de l’Hôtel de Bourgogne). Elle y restera jusqu’en 1694 alors âgé de 75 ans. Les comédiens et comédiennes de la Comédie-Française étaient pensionnés.

Marie-Angélique Gassot

Marie-Angélique Gassot (1658-1736), née et morte à Saint-Germain-en-Laye, est la fille de Mlle du Croisy. Elle a également comédienne été On la aussi appelée Mademoiselle Du Croisy (fort probablement après le décès de sa mère). Elle ne possédait qu’un ‘quart de part’, ce qui veut dire qu’elle ne jouait que les rôles de moindre importance. Ses parents possédaient une ‘part entière’.

Mademoiselle Du Parc

Marquise-Thérèse de Gorla, dite M^lle Du Parc ou Marquise Du Parc (1633-1668), née à Lyon et morte à Paris, fille d’un bateleur (acrobate de foire) entre à Lyon dans la troupe de L’Illustre Théâtre en 1653 avec son époux René Berthelot, dit Du Parc, dit aussi Gros-René, qui joue les valets de comédie. En 1659, elle jouera au Marais pendant trois ans. Jodelet fait à ce moment-là l’inverse en réintégrant la troupe de Molière pour en 1667 entrer au ‘Bourgogne’. En 1665, elle devient  la maitresse d’un Racine follement amoureux d’elle  lors des premières représentations d’Alexandre le Grand que va donner Molière au Palais Royal, avant que le ‘Bourgogne’ n’en ait l’exclusivité. Ce fut son premier rôle de tragédienne qu’elle magnifiera en créant celui qui sera son second et dernier, celui d’Andromaque ; son  premier grand rôle, elle qui était toujours en troisième place derrière Madeleine Béjart puis en 1664 derrière Armande sa sœur (ou sa fille ?) pour ce qui était des premiers rôles féminins  et pour les seconds après Mlle de Brie. En 1667, elle passe au Bourgogne alors dirigeait par Floridor († 1670) depuis 1647. Elle va y interpréter son second et dernier rôle de tragédienne. Adulée par le public, elle meurt en cours d’avortement en 1668. Racine se consolera dans les bras de Mlle de Champmeslé (Marie Desmares, 1642-1698) qui, épouse du comédien Charles Chevillet dit sieur de Champmeslé, interprètera Bérénice, Athalie, Monime épouse de Mithridate, Iphigénie et Phèdre. Elle fit son entrée en 1669 au ‘Bourgogne’ en interprétant Hermione. Mais ces demoiselles ne furent pas les seules à succomber au charme du séduisant dramaturge.

Mlle de Champmeslé

Mlle de Champmeslé (Marie Desmares, 1642-1698), née à Rouen et morte à Auteuil, est la fille du receveur du domaine de Normandie (percepteur des recettes royales).Marié à 15ans, très vite veuve, elle épouse le comédien Charles Chevillet dit sieur de Champmeslé. Le couple exerce le métier de comédien et de comédienne dans une troupe de province comme la majorité des acteurs et actrices de cette époque, troupe quasiment toujours itinérantes. En 1668, ils font un bref passage au Théâtre du Marias et dès l’année suivante entrent au Bourgogne.

Le malheur des uns faisant le bonheur des autres, la maladie puis le décès en 1670 de l’actrice principale M^lle Des Œillets, font que La Champmeslé va prendre sa place comme seconde tragédienne. Elle jour Hermione dans Andromaque. Elle interprètera ensuite  Bérénice, Athalie, Monime l’épouse de Mithridate, Iphigénie et Phèdre. A la mort de Mademoiselle Du Parc qui avait créé en 1667 le rôle d’Andromaque, le jeune Racine qui en avait été éperdument amoureux, alors âgé de la trentaine, trouva en elle des bras pour le consoler… mais elle ne fut pas la seule. Elle triompha dans le rôle-titre de Phèdre en 1677, un des chefs-d’œuvre de l’auteur et sa dernière tragédie profane. Cette année-là, le couple se sépare. Racine qui a de hautes ambitions sociales et aspire au poste envié d’historiographe du roi se marie avec Catherine de Romanet, riche héritière, fille du Trésorier du Roi. Historiographe, il le devient grâce à La Montespan. La Champmeslé trouve à son tour consolation auprès du Comte de Clermont-Tonnerre de très ancienne et subsistante noblesse .

En 1679, elle intègre la troupe du Théâtre de Guénégaud que les comédiens de feu Molière, chassées du Palais Royal qui va devenir l’Opéra, ont ouvert en 1673 en fusionnant avec la troupe du Théâtre du Marais. La renommée de La Champmeslé est telle que le Guénégaud peut s’octroyer non seulement le répertoire de Racine qu’elle apporta mais aussi dans son ensemble le répertoire tragique notamment de Corneille au grand dam de l’Hôtel de Bourgogne. Comme Mlle Du Parc, elle sera une des premières comédiennes faisant partie de la Comédie-Française née en 1680 de la fusion de ces deux théâtre, Guénégaud et Bourgogne.

Elle meurt à l’âge de 56 ans de de la plus belle mort pour un acteur et une actrice, en interprétant un rôle ( celui Clytemnestre ?) dans Oreste et Pylade, du très peu connu Lagrange-Chancel.

Les Béjart

Joseph II

Joseph II Béjart dit ‘Béjart’(1616-1659), né et mort à Paris, premier enfant de François Béjart huissier ordinaire du roi des eaux et forêts. et Marie Hervé maitresse lingère.

Il est un des fondateurs des fondateurs du Théâtre Illustre avec ses sœurs Madeleine et Geneviève, leur mère qui pourrait en être initiatrice. Le jeune Jean-Baptiste Poquelin et 8 autres comédiens.

Atteint d’un fort bégaiement, selon les sources, cela ne le handicapa pour jouer des rôles de jeunes premier (Lélie et Eraste) pour d’autre, il dut se contenter de rôles dits marqués.

 Il partagea comme me stipulait le contrat actant la création de la troupe qu’il devait choisir ses rôles en partage avec un autre comédien Germain Clerin.  

Il meurt en 1659 au moment où la troupe a mis fin l’année précédente à son itinérance en province et s’est installée définitivement à Paris. « Pris d'un malaise en jouant Lélie, dans L'Étourdi donné au Louvre, il meurt quelques jours plus tard » (https://louisxiv.over-blog.com/article-26-mai-1659-mort-de-joseph-bejart-44935296.html) .

Madeleine

Madeleine Béjart (1618-1672), née et morte à Paris, est la fille de Joseph Béjart, un huissier ordinaire du roi des eaux et forêts. Sa mère était maitresse lingère. Son frère aînée, Joseph Béjart (1616-1659), bien que bègue sera toujours à ses côtés comédien Un de ses frères (la fratrie a compté 9/11 enfants), plus jeune . Sa sœur Geneviève (1624-1675) fera partie comme elle de la troupe Molière dès ses débuts.   Louis Béjart (1630-1630) fera également partie de la troupe mais dans des rôles de moindres importances. Armande Béjart (vers 1642 - 1700) de 24 ans plus jeune est soit sœur soit sa fille.

Jeune-fille très belle et qui le restera toute sa vie (sa beauté participa largement à sa réputation). « Elle aborda résolument [la profession] de comédienne, et s'engagea dans une troupe d'acteurs nomades, avec qui elle parcourut le Languedoc et la Provence, en l'année 1637; Madeleine avait donc à cette époque dix-neuf ans.” (Alfred Copin Histoire des comédiens de la troupe de Molière 1886).  

Selon A. Copin, c’est au cours de cette tournée qu’elle aurait rencontré le Comte de Modène. D’autres sources indiquent qu’elle au fréquentait le beau monde et les cercles littéraires et qu’elle prit  en 1637 pour amant un noble dont on ne sait trop le titre (s’il en eut un) Esprit de Rémond, attaché à la Maison du Grand Monsieur, Gaston d’Orléans. Une fille Françoise, reconnue par seul le père, naîtra un an plus tard.. 

« La petite Françoise n'ayant laissé aucune autre trace, certains historiens modernes font l'hypothèse qu'elle est morte en bas âge et que Madeleine Béjart aurait eu, entre 1641 et la fin de 1642, une seconde enfant du même père, laquelle, déclarée comme la fille de Joseph Béjart et Marie Hervé, aurait été baptisée au cours des années 1650 avec le quadruple prénom d'Armande Grésinde Claire Élisabeth. C'est du fait de cette fiction juridique qu'Armande Béjart a passé officiellement pour la très jeune sœur de Madeleine Béjart. » (Wikipédia selon Georges Forestier, Claude Bourqui Molière Œuvres Complètes La Pléiade 2010 )

En 1643, avec Geneviève Joseph et 8 autres comédiens et comédiennes  elle est la fondatrice de L’Illustre Théâtre. Le jeune Jean-Baptiste Poquelin , âgé de 21 ans, qui , nanti d’une part de l’héritage de son père s’est installé en jeune homme indépendant dans le quartier du Marais où vivent les Béjart, se joint à eux. Il n’a encore rien écrit. Le contrat précise :

« Clerin, Pocquelin et Joseph Bejart qui doivent choisir alternatifvement les Héros, sans prejudice de la prerogative que les sudictz accordent à ladicte Magdeleine Bejart de choisir le rolle qui luy plaira ; item, que toutes les choses qui concerneront leur théâtre et des affaires qui surviendront, tant de celles que l’on prévoit que de celles qu’on ne prévoit point, la troupe les décidera à la pluralité des voix, sans que personne d’entre eux y puisse contredire. »

L’Illustre Théâtre avec sa troupe subsistera jusqu’à la mort de Molière en 1673. Une partie s’associera à ceux de Théâtre du Marais fondé en 1634 par l’acteur régisseur Montdory. Il ouvriront

le Théâtre de Guénégaud.

Avec Molière dont elle devient rapidement la maitresse, Joseph, Geneviève et sa fille ou sœur Armande que Molière épouse en 1662, elle va être de toute les aventure du Théâtre Illustre. Reconnue tragédienne de grand talent, elle va néanmoins partager les premiers rôles avec Mademoiselle du Parc, Catherine De Brie jusqu’à ce Armande la remplace. En fin de carrière, elle jour, l’âge avancé, les servantes (Dorinne du Tartuffe)

Elle meurt en 1672, à l’âge de 54 ans un an jour pour jour avant Molière. De manière fort rare pour ne pas dire exceptionnelle, surtout pour une comédienne de ce niveau, elle ne se donna pas de nom de scène et on ne lui en attribua aucun Le fait qu’elle ait été enterré dans un cimetière d’église, le charnier de L'église Saint-Paul-des-Champs (4^ème arr. disparue) et non en fosse commune comme cela se devait pour les gens de théâtre,  laisse penser qu’elle a accepté l’extrême onction.

Elle a pu être directrice de l’Illustre Théâtre de 1643 à jusqu’à 1646, date de la faillite de la troupe qui intègre celle de Charles Dufresne avec qui elle part en tournée pour 12 ans en Province. En 1650,à la mort de Dufresne, c’est Poquelin devenu Molière qui en devient directeur.

Dans les Minutes et répertoires du notaire Simon III Mouffle, on peut lire :

« Inventaire après décès de Madeleine Béjart, décédée le 17 février 1672, rue Saint-Thomas-du-Louvre, dressé à la requête de Charles Cardé, conseiller du roi, trésorier du sceau en la chancellerie de Paris, son exécuteur testamentaire, de Geneviève Béjart, sa sœur, femme de Léonard de Lomenie de La Villaubrun, agissant en son nom ainsi que pour son mari et pour Louis Béjart, son frère, et d'Armande Grésinde Béjart, sœur, agissant en son nom et au nom de Molière]. »

Dans son roman publié en 1661 sous le nom de son frère Georges Scudéry, Almahide ou L’Esclave Reine, Mlle de Scudéry ont écrit :

« Elle était belle, elle était galante, elle avait beaucoup d'esprit, elle chantait bien ; elle dansait bien ; elle jouait de toutes sortes d'instruments ; elle écrivait fort joliment en vers et en prose et sa conversation était fort divertissante. Elle était de plus une des meilleures actrices de son siècle. »

M^lle Aubry

Geneviève Béjart, dite M^lle Hervé, puis M^lle Villaubrun et enfin M^lle Aubry (1624-1675), née et morte à Paris, seconde fille de Joseph Béjart, sœur de Georges et de Madeleine. Avec son frère et sa sœur, elle st des fondatrices de l’Illustre Théâtre en 1643.

Elle prend au début de sa carrière comme surnom, le nom de jeune fille de sa mère Mlle Hervé. En 1664, à 40 ans, elle épouse Léonard de Loménie, sieur de Villaubrun,

En date de 1671, dans les minutes du notaire Jean Levasseur, on peut lire :

« Déclaration aux termes de laquelle Jean-Baptiste Poquelin de Molière, chef de la troupe des Comédiens du Roi, Armande-Claire-Grésinde Béjart, sa femme, Louis Béjard, Geneviève Béjart, femme de Léonard de Loménye de Villaubrun, demeurant place du Palais-Royal, reconnaissent que les frais faites dans le procès intenté contre les héritiers de Claude Leroy par Marie Hervé, mère des dits sieur et demoiselles Béjart, ont été avancés par Madeleine Béjart, à qui ils donnent leur consentement pour qu'elle en poursuive le paiement à son profit. »

Veuve en 1672, elle se marie avec Jean-Baptiste Aubry, sieur des Carrières, fils d'un maître paveur du roi parisien. Âgé de 48 ans, elle ne déclarera n’en avoir que 40. Elle meurt trois ans plus tard sans jamais avoir eu de grands rôles ni n’avoir eu l’aura de sa sœur aîné, comme si elle était resté dans son ombre, tout en partageant avec elle la vie mouvementée d’une comédienne de cette époque. Son mariage avec un fonctionnaire bourgeois et nom comédien ou artiste semble indiqué qu’elle aspiré à une vie plus tranquille.

Mademoiselle Molière

Armande-Grésin-Élisabeth Béjart, dite Mademoiselle   Molière ( 1638?-1700), né on ne sait où et morte à Paris, est peut-être la sœur benjamine de Madeleine Béjart mais plus probablement sa fille, née l’union de sa mère avec[CG1]   Esprit de Raimond-Modène et non avec son père François de Rémond, Comte de Mormoiron dit ‘le Gros qui fut Grand Prévôt de France en 1620.

« La vie de la Cour aidant, François de Rémond délaissa son épouse et tomba amoureux de la jeune et belle Madeleine Béjart, tout juste 19 ans, et déjà comédienne. Il fut son amant affiché pendant les années 1637 et 1638. Il lui fit un enfant, une fille nommée Françoise, née le 3 juillet 1638, qu’il reconnût ouvertement, mais qui mourût peu après la naissance. » (Jean Gallian, Histoire de Caromb, tome I http://jean.gallian.free.fr/carb2/html-new/seigneurs.htm). L’acteur Jean Galland († 1967) la donne pour morte en bas-âge, ce qui remettrait en cause la filiation… ?

Sur les fonts baptismaux, elle est mentionnée comme fille d’Esprit Raymond et de Madeleine mais ultérieurement dans les actes notariés, elle est indiquée comme fille de François Béjart et Marie Hervé,  les parents de Madeleine et/ou mentionnée comme sœur de celle-ci. L’acte de succession de François père, dressée en 1643 au moment où la famille Béjart prépare la création de L’Illustre Théâtre, les enfants de Marie Hervé, les héritiers recensés sont Joseph, Madeleine, Geneviève, Louis et une fille non baptisée , autrement dit Armande. Si elle ne l’est pas n’est-ce pas que chrétienne aux yeux de Dieu sinon aux yeux de la loi, elle ne peut l’être deux fois… ?

Elle aurait passé son enfance dans le Languedoc (région où gravite la troupe) chez la demi-sœur de Marie Hervé, qui, comédienne, aurait joué à Lyon dans la troupe.

Dans tous les actes qui seront signés à Paris à partir de 1559, Mademoiselle Grésinde Béjart ou Armande Béjart sera mentionnée comme sœur de Madeleine et de Geneviève et comme Mlle Molière après son mariage en toute discrétion avec Molière en 1662. Le couple aura quatre enfants dont une seule fille survivra, Esprit-Madeleine Poquelin ou Poquelin (1665-1723) qui n’aura pour rôle que d’apporter des information à Jean-Léonor Le Gallois de Grimarest qui écrivit la première biographie de Molière en 1705.

En 1662, elle entre officiellement dans la Troupe de Monsieur, nouveau protecteur de la troupe de Molière avant que ce ne soit le Roi en 1661. Elle portera désormais le nom de Mlle Molière. Elle devait avoir dans les 24-25ans ? Dès 1664, elle tient un premier rôle dans la pièce éponyme La Princesse d’Élide donné à Versailles en 1664 puis au Palais Royal. Elle va ensuite aux côtés de Marquise Du Parc (†1667) et de Catherine de Brie († 1700), tenir en remplacement de Madeleine les premiers rôles dans les pièces de Molière ou non représentées au Palais Royal.

Son mari meurt en février 1673 – on lui reprochera une attitude plutôt distante et la reprise des représentations trois jours plus tard… but the show must go on ins’t it ? Elle et toute la troupe rejoindront la troupe du Marais pour ouvrir le Théâtre de Guénégaud.

En 1675, elle est mêlée à deux affaires louches. D’abord celle de François Lescot, président au parlement de Grenoble qui a cru reconnaitre pour sa ressemblance La Molière dont il est épris dans la prostitué qu’on a mis à la place dans ses bras. Ensuite, dans l’affaire du pseudo empoisonnement de Lully dont le témoignage en faveur des accusés est récusée au titre qu’elle est en tant que comédienne « infâme de droit et de fait » et qu’avec un autre témoin, le dramaturge dont elle interprète les pièces, Jean Donneau de Visé   du même âge qu’elle, ils mèneraient une vie dissolue. Sa réputation sera aussi salie quand en 1688 paraitra anonymement La Fameuse Comédienne ou Histoire de la Guérin, auparavant femme & veuve de Moliere, nouvelle dans laquelle, on en fait une jeune femme puis une femme à la cuisse légère. Le texte est d’autant bien écrit et savoureux qu’on l’attribuera à Racine ou La Fontaine.

En 1677, elle épouse Isaac-François Guérin d'Estriché († 1717) guère plus âgé qu’elle et comédien du Marais. Elle devient Mlle Guérib. Le couple s’entendra bien aura  fils . Ils entreront tout à deux à la Comédie-Française à sa création en 1680. Elle quitte le tjéâtre en 1694 à l’âge d’environ 65 ans avec une pension de 1000 livre, pension raisonnable sans être mirobolante.

Louis Béjart

Louis Béjart (1630-1678 ), surnommé Cadet, Béjart Le Jeune et encore l’Éguisé à cause de son esprit de réparti, ne fit que tardivement son entrée dans la troupe sans y avoir marqué son passage d’une empreinte mémorable. Il jouait les troisième et quatrième rôles. Autrement dit, il ne devait avoir que « un que de part’. Suite à un coup d’épée malencontreux à la jambe , il est resté boiteux. Il créa en 1653 à Lyon  le rôle  d'Anselme dans l' Étourdi. A 23 ans, Molière lui confiait des rôles de vieux. Il créa Valère dans Le Dépit Amoureux à Béziers en 1654.

Il se retira de la troupe en 1670 à 40 ans. Il fut le premier comédien pensionné à l’instar des comédiens du ‘Bourgogne’ avec une pension de 1000 livres auxquels s’ajoutaient les 400 livres de rente que lui alloua sa sœur Madeleine.. Il est ensuiet  mentionné comme ingénieur du roi. Ce qui laisse supposer des études ad hoc avant d’être comédien. Il fut aussi officier au régiment de la Ferté.

Les Auteur(e)s

« En France, Madame de Saint-Baslemont est la première femme a publié une tragédie Les jumeaux martyrs en 1650. Françoise Pascal, autrice de six pièces, est la première femme à être jouée par une troupe professionnelle. » (https://www.nakawedoc.com/fr/portraits-defemmes/theatre/les-femmes-et-le-theatre)

Les Auteures

Françoise Pascal

Françoise Pascal (1632-1698),née à Lyon et morte à Paris, connue à l’époque surtout comme peintre, était aussi poétesse et dramaturge. Ses peintures ont disparue , mais elle reste surtout connue pour ses pièces de théâtre qui, pour une écrivaine, fut la première à être interprétée par des troupes de comédiens professionnels.

‘Montée’ à Paris en 1667, elle n’y trouva pas vraiment le succès qu’elle espérait. Sa pièce Le Vieillard amoureux écrite en 1664 est mise en scène par  Philippin, un des  farceurs de l'Hôtel de Bourgogne. On lui connait six pièces, tragi-comédies et comédies, un recueil épistolaire en prose et vers, Le Commerce du Parnasse (1669) et des Cantiques spirituels ou Noëls nouveaux, sur la naissance du Sauveur (1670). “On a notamment retenu sa contribution à la remise en vogue de la pièce comique en un acte. » (sur F. Pascal voir Deborah Steinberger, SIERFA 2006 https://siefar.org/personnage/francoise-pascal/)

Catherine Bernard

Catherine Bernard (1663-1712), née à Rouen et morte à Paris, dite Mademoiselle Bernard (la tradition veut que les comédiennes soit toujours appelées ‘Mademoiselle’ quel que soit leur âge et mariée ou non[3]) était poétesse, romancière et dramaturge. Elle sera la première femme jouée à la Comédie-Française (fondée en 1680 par Louis XIV) qui la couronnera par trois fois en 1691,1693, 1697. M^lle Pitel de Longchamps y donna en 1687 une farce Le Voleur ou Titapapouf.

En 1691, 93 et 97, elle a été couronnée par l’Académie des Ricovrati (l’Académie des Abrités voir Particularismes Nationaux/ Italie/Académies) de Padoue comme le furent Mlle de Scudéry en1684 et Antoinette Deshoulières en 1685, Mme D’Aulnoy en 1695, Marie-Jeanne Lhéritier en 1697 et Charlotte-Rose de Caumont La Force en 1698 l’y avaient précédée

Elle cessera d’écrire au passage du siècle et meurt en 1712 à l’âge de 49 ans. Voir aussi Le Conte/France

Madame de Villedieu

Marie-Catherine Desjardins, dite Madame de Villedieu (1640-1683), née à Alençon (ou à La Rochelle ?) et morte à Saint-Rémy-du-Val (Sarthe), est issu de la petite noblesse. Ses parents étaient au service de la Maison de Rohan. On la sait à Paris après la Fronde. Si elle n’est pas physiquement favorisée par la nature, son esprit vif compense cet handicap dans la société des précieuse.

Elle écrit poésies et portraits[4] qui lui confèrent une considération certaines chez les salonières.et s’assure les plus hautes protections telles la Duchesse de Montpensier, fille du Grand Monsieur ou le Duc de Saint-Aignan, grand protecteur des arts et des lettres. A 18 ans, elle fait la connaissance décisive de Antoine II de Boësset, fils du Surintendant de la Musique de la Chambre (du roi).. Elle évoque cette relation amoureuse dans son sonnet Jouissance, qualifié alors de scandaleusement libertin : « Je meurs entre les bras de mon fidèle amant, Et c'est dans cette mort que je trouve la vie. ». Son amant meurt en 1657 au siège de Lille (Guerre de Dévolution) , mais nantie d’une promesse de mariage en bonne et due forme, elle peut porter le nom de Villedieu

Dramaturge, elle donne en 1662 Manlius, une tragi-comédie représentée au théâtre ‘officie’ de l’Hôtel de Bourgogne et dont certains mettront en doute son authenticité, sans doute de par son succès( ?) ; l’année suivante une tragédie, Nitétis, et en 1665, une autre tragi-comédie, Le Favori, créé par la troupe de Monsieur au Palais-Royal, puis à Versailles devant le roi avec un prologue de Molière. Lully en ayant composé les intermèdes (musicaux) Ce sera sa dernière contribution au théâtre. Elle se consacre alors au roman et innover avec un nouveau genre, le roman-mémoire avec notamment Mémoires de la vie de Henriette-Sylvie de Molière (1672>74).

Marie-Anne Barbier

Marie-Anne Barbier (1664-1742), née à Orléans et morte à Paris, est la fille d’un maître artilleur qui deviendra commissaire provincial d'artillerie qui s’installe à Paris avec sa famille en 1670.

Elle va fréquenté le salon de Marie Mancini (1649-1714), Duchesse de Bouillon, nièce de Mazarin ; salon qui s’inscrit dans la seconde phase du courant précieux.

Après plusieurs ‘petits’ écrits, elle est formé à l’écriture théâtrale par le dramaturge Edme Boursault (1638-1701) dont on retient surtout mis à part ses querelles avec Molière et Boileau ses trois comédies à tiroirs (équivalent au théâtre des romans du même genre).

Grâce à son entregent, elle pourra faire jouer quatre tragédies: Arrie et Petus (1702)  (1703) Tomyris (1707) et La Mort de César (1709) à la Comédie-Française. On lui doit également entre 17018 et 1719 une comédie en un acte , Le Faucon, deux opéras Les Fêtes de l’été, une musique de Montéclair, et la pastorale héroïque Le Jugement de Pâris auxquels s’ajoute Les Plaisirs de la campagne, opéra-ballet en trois actes. Ses deux opéras connurent un succès certain. Ses contemporains comme les historiens actuels mettent l’accent sur le rôle important des femmes dans son théâtre et son engagement que l’on qualifierai de nos jours de féministe.

Les Auteurs

Tristan L’Hermite

Voir Poésie/France

 François Tristan (1601-1655) était connu de son temps comme un poète précieux à la plume acérée et diverse : Poésie élégiaque, poésie encomiastique (dithyrambique), poésie descriptive ; poésie au sujet de laquelle on évoque le Marinisme ou le Gongorisme. Mais L’Hermite était surtout reconnu comme auteur dramatique.

 Sa première œuvre dramatique, La Mariane, tragédie en cinq actes en hexasyllabes, datée de 1636, dédiée à son protecteur, Monsieur, est d’emblée un succès en bonne partie dû au talent de l’acteur Montdory qui vient d’ouvrir en 1634 son propre théâtre, Le Théâtre du Marais. Mondory a déjà donné dans son théâtre, un an plus tôt, en 1635, Médée de Pierre Corneille (1606-1684)  et donne dans la même année 1636, L’Illusion Comique du même. L’année suivante, 1637, sera donné Le Cid qui fit la réputation de Corneille par la polémique que suscita la forme et le fond de la tragédie ; Richelieu n’ayant pas apprécié la pièce, Georges Scudéry, dramaturge de second plan, toujours soucieux de se faire valoir et bien voir, saisi l’occasion pour la déclencher.

L’Hermite devient l’émule du Grand Corneille ; Le succès de sa pièce ne se démentira pas tout au long du siècle. L’écrivain et critique Marcel Arland (†1986) a écrit qu’elle est « la première tragédie française [qui] offre des lignes aussi simples, et la première qui fasse de l'étude d'une passion son objet essentiel ».

Si pour La Mariane, l’inspiration était biblique -l’exécution de Mariane (Mariamne) et de ses enfants par son époux le tyran jaloux Hérode 1^er 4 av. J.C.) roi de Judée- pour les deux tragédies suivantes,  la source est cette fois-ci romaine. La Mort de Sénèque est une évocation d'une conspiration avortée contre Néron.  La première représentation inaugure le 1^er janvier 1644 la création de la Troupe de Madeleine Béjart (1618-1672), ‘L’Illustre Théâtre’. La Mort de Chrispe représente le drame de la seconde épouse de l’empereur romain Constantin 1^er, Fausta, éprise de son beau-fils, Crispus (né du premier mariage de l’empereur), qui, nouvelle Phèdre plus jalouse qu'incestueuse, provoquera sa mort. Historiquement, on ne sait pas vraiment pourquoi l’empereur ordonna l’exécution de son fils aînée et de sa seconde épouse.

Panthée, pièce nettement moins connue trouve sa source dans l’histoire de la Perse. Cyrus II le Grand († 530 av. J.C.) confie sa prisonnière Panthée épouse du roi de Susiane (capitale Suse) à Araspe qui, favori de l’empereur, tombe amoureux d’elle, et se suicide en apprenant son suicide après la mort de son époux au combat. La pièce s’écarte du canon classique pour adopter un lyrisme plus baroque et faire montre d’innovation dans les ressorts dramatiques. La poésie de L’Hermite est une poésie baroque.

Osman (Osman II Le Jeune(† 1622) représente de l’histoire récente, la fin héroïque du sultan victime des janissaires révoltés, animés par la fille du muphti, qui se venge ainsi de ses dédains.

« Ces cinq tragédies illustrent des thèmes chers à Tristan: l'impuissance de l'homme face à un destin aveugle, le pessimisme tempéré parfois par une espérance chrétienne (Mariane, Sénèque, Constantin); et la solitude de l'individu tragiquement incompris par les autres (Hérode, Araspe, Fauste, la fille du muphti) » (Roger de Guichemerre. Les Tragédies de Tristan L’Hermite, Édit. Honoré Champion 2009, Présentation)

L’Hermite et avec Corneille un des fondateurs de la Tragédie Classique avec ses trois unités (à noter que Corneille ne l’a respecter pas dans Le Cid), sa bienséance et sa vraisemblance. Mais à la différence des tragédies (Le Cid) et comédies (Don Sanche d’Aragon) héroïques, l’auteur de La Mariane tout en optant pour des thèmes historiques qui est une des règles de la tragédie classique, tend plus à décrire des passions que des dilemmes entre amour et devoir ; l’amour (passion ?) de Chimène étant le versant ‘obligé’ du devoir que s’impose Le Cid. Tragédie amoureuse qui sera la marque de fabrique de Jean Racine dans la seconde moitié du siècle.

Tragédies :

• -        La Mariane (1636, Théâtre du Marais) ;
• ·        Panthée ( 1637 Théâtre du Marais) dédie à Henri de Guise.
• ·        La Mort de Sénèque créée le 1^er Janvier 1644 à   l’inauguration de L’Illustre Théâtre, troupe créée en 1643 par Molière (il a 21 ans) et les Béjart.
• ·        La Mort de Crispe 1645, aussi par l’Illustre Théâtre ;
• ·         Osman publié en 1656 et peut-être joué en 1646 ( ?)

Tragi-comédie :  -

1.  La Folie du Sage (Hôtel de Bourgogne 1644) ;
2.  Comédie : - La Parasite (1653 d’après une comédie italienne).
3.  Pastorale : -  Amaryllis (1652) ;
4. 
   

Des écrivains et des critiques du XIXème siècle ont quasiment mis au même rang, L’Hermite et Shakespeare. L’Hermite est en Angleterre en 1634, sa Mariane est jouée deux ans plus tard. Il s’était réfugié un temps à Londres après avoir tué à l’épée un garde-du-corps.

Alexandre Hardy

Le très prolifique dramaturge Alexandre Hardy (1570-1632)

avait fait représenter en 1610 et publier en 1625 une Mariamne (épouse d’Hérodote), tragédie en cinq actes qui servit de modèle à celle de Tristan. Hardy, né Le Hardy, a été l’auteur attitré de la troupe itinérante ‘Les Comédiens du Roi’ dont le patron était l’acteur picard Valleran Le Conte (†1634) ; troupe qui donna des représentations à L’Hôtel de Bourgogne à la fin du XVIème siècle et au début du XVIIème. A cette époque, le public parisien et de province garde sa préférence au répertoire traditionnel de la farce, de  la sotie et de  la Commedia dell’arte plutôt qu’à ce théâtre savant réservé à l’élite intellectuelle que Le Conte tente d’imposer au ‘grand public’ (voir Renaissance/Théâtre/France/Théâtre Savant).

Hardy finira par rejoindre la troupe de Gros-Guillaume (1634) et obtiendra le privilège de se produire à l’Hôtel de Bourgogne[5]. Malgré la quantité incroyable de sa production, plus de 600 pièces selon ses dires, il ne connut ni la fortune ni le succès.

Jean de Rotrou

Jean de Rotrou (1609-1650), né et mort à Dreux (Eure et Loire), est issu d’une famille de magistrats. Il fait ses études en Normandie et à Paris au collège jésuite de La Flèche (futur collège Henri IV) où il fait ses humanités.

Écrivain précoce, sa première pièce jouée à L’Hôtel de Bourgogne, L'Hypocondriaque ou Le Mort amoureux. dès 1628, lui vaut d’être « poète à gages » des « Comédiens du Roi » (de ce théâtre) dirigés encore  par Gros-Guillaume Bellerose ne lui succédant qu’à sa mort en 1630. En 1635, il fait partie des ‘Cinq Auteurs’ recrutés par Richelieu et parmi lesquels se trouve le jeune avocat de Rouen, Pierre Corneille qui s’en retirera par la suite. En 1636. Les Ménechmes, inspirée de l’auteur de comédie latin Plaute (3èmme s. av. J.C.) lance sa carrière.

De sa vie, on retient  part  les dates des représentations et des publications de ses pièces qu’il a eu pour protecteur un adversaire de Corneille après la représentation du Cid en 1637, François de Faudoas d'Averton (1583-1638), un protecteur des lettres nanti de plusieurs titre de noblesse. Sa position dans la querelle faite à Corneille à propos de sa tragédie sera tout en se disant son ami des plus ambigües.

La même année, il a acheté  la charge de lieutenant particulier au bailliage de Dreux. Et l’année suivante, il s’est marié avec  Marguerite Camus, fille d’un bourgeois. Le couple va alors mener une vie des plus tranquilles si ce n’est que

 « malgré son succès en tant que dramaturge, Rotrou a connu des difficultés financières et a été obligé de vendre ses manuscrits pour subvenir à ses besoins. Il est également connu pour avoir eu des démêlés avec la justice, notamment pour avoir blessé un autre homme lors d'un duel. » (LePetitLitteraire.fr)

Et que « la légende a couru qu’il enfouissait son argent sous des fagots afin de le soustraire à un prétendu engouement pour le jeu » (https://francearchives.gouv.fr/fr/pages_histoire/39479).

  Il meurt en 1650 pendant l’épidémie de peste qui sévit dans la région et dans Paris.

Parmi les quelques quarante comédies, tragi-comédies et tragédies que l’on a conservées, on peut notamment retenir Le Véritable Saint Genest (1645), Dom Bernard de Cabrère (1647) d’après La Vérité Feinte ( Lo Fingido verdadero 1620) de Lope de Vega, Venceslas (1647) d’après On ne peut pas être à la fois père et roi (No ay ser padre siendo rey) de Francisco de Rojas Zorrilla († 1648). Le théâtre espagnol et la littérature espagnole en général était l’objet d’un véritable engouement dans la première moitié et du siècle et même au-delà. P ? Scarron traduisit des romans et l’on sait l’emprunt de Molière pour son Don Juan au Le Farceur de Séville et l'Invité de Pierre ( El Burlador de Sevilla y convidado de piedra (1630) de Tirso de Molina († 1648). Sa dernière tragédies Cosroès de 1649  est considérée comme sa tragédie la plus originale.  

L’originalité d sujet de Le Véritable Saint Genest est qu’il fait intervenir un acte Genest qui commence sa carrière en jouant un personnage qui raille les chrétiens jusqu’au jour où jouant le rôle d’un chrétien, il découvre la foi. Il en sera un martyr. Plus qu’une apologie du christianisme, Rotrou fait l’apologie d’un théâtre salvateur auquel il donne des accents shakespeariens : «  Ce monde périssable et sa gloire frivole Est une comédie où j'ignorais mon rôle ».

Il fait partie de la génération des dramaturges de la première moitié du siècles que l’on peut qualifier de baroques, Tristan L’Hermite né en 1601 , Georges Scudéry né en 1601) et Pierre Corneille né en 1606. Pour autant , Jean de  Rotrou est l’oublié du théâtre français du XVIIème siècle. Effacée par celle de Corneille , Molière et Racine ,son œuvre  n’en est pas moins importante par son volume et sa qualité. Il continuera â être représenté au Siècles des Lumières et même au cours du Romantisme.

« Le théâtre rotrouesque le doit moins à sa stylistique et à sa thématique qu’à la profonde résonance qu’il entretient avec la vision moderniste d’un monde qui échappe progressivement à toute transcendance et dont l’organisation échoit à un personnage-metteur en scène, souverain et autotélique. » (Jean-Claude Vuillemin professeur de littérature française The Pennsylvania State University).

Pierre Corneille

Pierre Corneille dit Le Grand Corneille (1606-1684), né à Rouen, mort à Paris, est issu d’une famille normande aisée de la bourgeoisie de robe ( de nos jours de la classe moyenne). Père et oncle étaient avocats. Après des études au collège jésuite de la ville où il reçoit des prix en latin, il obtient sa licence de droit. Il occupera  de 1628 à 50 de par les charges que lui achète son père  le poste de conseiller du roi au bureau local du département des Eaux et Forêts et celui d’avocat à la haute juridiction de ce même organisme appelé la Table de Marbre. Corneille, trop timide, ne plaidera jamais mais prouvera  son éloquence dans l’écriture.

Ses premiers poèmes viennent d’une déception amoureuse et bien vite il se tournera vers la poésie dramatique. Ses premières pièces sont des comédies, Mélite sur le mode de la pastorale et  L’Illusion Comique.

Les troupes itinérantes passent à Rouen et aucune ne s’intéresse au pièce que leur propose le jeune auteur. En 1629, il assiste à la représentation d’une des troupes les plus brillantes, la troupe du Prince d’Orange. Il remet sa pièce Mélite, écrite alors qu’il n’avait que 19 ans à son principal et célèbre acteur Mondory qui voyant en lui un futur grand auteur emporte la pièce et la crée au jeu  de Berthaud en 1629/31(non au ouvert en 1634). Il peut l’avoir jouée tout de suite à Orléans…,

Sur Paris, le succès est énorme. Fait suite Clitandre, tragi-comédie ‘romanesque’, écrite en 1630, commandée par Mondory représentée l’année suivante à L’Hôtel de Bourgogne, elle ne connaitra aucun succès.

Suivront de Corneille toujours pour Mondory les comédies La Veuve et La Galerie du Palais données en 1633 au Jeu de Paume de La Fontaine. La Suivante et La Place Royale auraient été représentées à l’Hôtel de Bourgogne en 1634, année justement où Montdory ouvre le Théâtre du Marais…Donc dans l’intermède entre Le jeu de paume de La Fontaine ravagé par un  incendié et l’ouverture du Théâtre du Marais ? Le Noir qui dirigeait la troupe du Prince d’Orange qui avait pour principal acteur Montdory, a été directeur de l’Hôtel de >Bourgogne de …1634 à 1637.

A noter La Place royale est aussi donnée comme créée au Théâtre du Marais. Cette comédie a son importance parce qu’elle innove un genre nouveau, la Comédie Amoureuse, un genre qui,  inventé par Corneille, est loin de la farce et du gros comique, et traie de l’amour, de la contrainte à être marié, de la fidélité.

La Place Royale est « l'une des seules comédies du XVII^e siècle, avec Le Misanthrope de Molière trente ans plus tard, qui ne se termine pas par le mariage des jeunes amoureux » (Wikipédia)). Cette même année 1634, la veine tragique est ouverte avec Médée au succès peu reluisant, jouée au Théâtre du Marais. Cette année-là Corneille quitte le groupe des « Cinq Auteurs » que Richelieu, féru de théâtre, avait réuni et à qui il fournissait l’idée et les grandes lignes des pièces qu’il leur demandait d’écrire (https://www.britannica.com/biography/ Pierre-Corneille). En 1635, L’Illusion Comique, représentée au Théâtre du Marais, met fin pour Corneille à sa période des comédies. Pourtant, cette comédie innovait dans le comique. Il ne s’agissait  plus du comique des farces et sotties mais d’un comique plus ‘urbain’ ; un comique fondée sur le dialogue plus que sur les effets et la gestuelle, dialogue qu’il qualifiera plus tard de « conversation de gens honnêtes » (‘honnêtes’ dans le sens du XVIIème siècle). Il reviendra à la comédie en 1642 avec Le Menteur. Jodelet s’y tailla un franc succès dans le rôle de Cliton, valet de Dorante ; et en 1645 avec La Suite du Menteur toutes deux données au Théâtre du Marais.  Et ultérieurement avec Molière… ?

Corneille vit toujours à Rouen. En 1640, pour satisfaire à ses charges et subvenir aux besoins de sa famille, il a refusé l’invitation de venir s’y installer. Mais lors de ses séjours, il commence à se lier avec les poètes dramaturges célèbres de l’époque, Georges de Scudéry, Jean Mairet (1604-1686), Rotrou. Il fréquente aussi les salons littéraires, notamment celui de Madame de Rambouillet. Si Paris l’inspire, il demeure un provincial de passage dans la capitale. Sa famille et celle de son frère cadet Thomas (il est l’aîné d’un fratrie de huit frères et sœurs avec des écarts de plus de vingt ans) ne viendront vivre à Paris qu’en 1662 à l’invitation Henri II, cinquième Duc de Guise (†1664).

Le Cid est représentée en 1637, toujours au Théâtre du Marais. Elle est d’abord publiée comme tragi-comédie puis comme tragédie. Le succès est immense. Mais ce succès populaire n’évitera pas une âpre querelle à travers des pamphlets ourdie par ses rivaux , G. Scudéry (1601-1667), le frère et collaborateur de Mademoiselle de Scudéry) et Jean Mairet.

« Les Sentiments de l'Académie française sur la tragi-comédie du Cid (1637), rédigé pour l'essentiel par Jean Chapelain, un critique qui prônait la tragédie « ordinaire », était formulée avec tact et reconnaissait les beautés de la pièce, mais critiquait Le Cid comme dramatiquement invraisemblable et moralement défectueux. Richelieu a utilisé le jugement de l'Académie comme excuse pour supprimer les représentations publiques de la pièce » (https://www.britannica.com/biography/Pierre-Corneille)

Richelieu n’a visiblement pas digéré la désaffection de Corneille du groupe des ‘Cinq Auteurs’. Georges Scudéry, dramaturge de second plan, toujours soucieux de se faire valoir et bien voir, tout en étant l’ami de Corneille saisi l’occasion pour déclencher une polémique en commençant par prétendre que sa pièce Amour Tyrannique lui était bien supérieur. Il rédigea pour l’occasion Observations sur Le Cid. Il s’en suivit un échange épistolaire entre les deux dramaturges. Richelieu lui sera gré d’avoir pris une telle position. Pour autant, la pièce continua et pour longtemps à connaitre un vif succès mais encore le cardinal favorisera son mariage en 1641 avec une aristocrate Marie de Lampérière qui lui donnera huit enfants.

Il était  reproché à l’auteur de ne pas avoir respecté la Règle des Trois Unités .

« Corneille rejette le traitement discursif du sujet donné dans sa source espagnole (longue pièce fleurie et violente de Guillén de Castro y Bellvis, dramaturge du XVIIe siècle), se concentrant plutôt sur un conflit entre passion amoureuse et famille. loyauté ou honneur. Ainsi Le Cid anticipe la tragédie « pure » de Racine, chez qui le concept « classique » d'intensité tragique au moment de la réalisation de soi trouve son expression la plus mûre et la plus parfaite (Ibidem).

Vont suivre ses tragédies romaines les plus célèbres dans lesquelles il va consciencieusement respecter la Règle des Trois Unités: Horace (1640), Cinna ou La Clémence d’Auguste (1641, première tragédie à fin heureuse), Polyeucte (1641/42) La Mort de Pompée (1643) et comme dernière comédie,  Le Menteur (1644). Dans ces tragédies comme aussi dans  sa tragi-comédie Nicomède (1651), les thèmes cornéliens outre celui du dilemme honneur/amour, sont d’ordre politique et aborde des questions sur le pouvoir, la succession, la guerre civile ; thèmes  qui le mettent en phase avec la période trouble des Frondes, populaire et princière (1648-1653) et que reflète sa vie à ce moment-là : nommé par Mazarin Procureur Général des États de Normandie, il sera destitué et il perdra sa pension de 1000 livres que Mazarin exilé lui avait octroyé. Il devra  retrouver ses charges qu’il avait vendues.,.

Par la suite, il s’oriente vers un nouveau genre de tragédie qu’il qualifiera de ‘tragédie implexe » à cause de la complexité de l’intrigue. Il est à noter que Corneille à adapter des pièces du dramaturge Pedro   Calderón de la Barca (1600 - 1681) introduisit dans ses ‘comedias’ des intrigues plus complexes et mieux élaborées que ne le fit son maitre Lope de Vega, initiateur de cette formule.

Andromède, représentée avec machinerie et intermèdes musicaux au Petit-Bourbon en 1650, est une des plus représentatives de ce choix de la complexité avec la quête d’identité du héros. En 1651 sa pièce Pertharite est un échec. Il va rester huit ans sans  écrire pour le théâtre, se consacrant à la traduction de l'Imitatio Christi (Imitation du Christ) de Saint Thomas à Kempis, qu'il achève en 1656, et à des écrits critiques sur sa dramaturgie. Il va revenir à l’écriture théâtrale et donner une pièce par an, Œdipe (1659), La Conquête de la Toison d'or (1661), Sertorius (1662), Tite et Bérénice (1670),Pulchérie (1672), Attila (1667). Mais le genre de ses tragédies a moins les faveurs du public qui se tourne vers les tragédies de son frère Thomas, de Philippe Quinault (1635-688) également librettiste entre autres de Lully, et enfin de Racine, dont les tragédies bouleversent les codes, le sentiment amoureux prévaut sur l’héroïsme.

Corneille écrira sa dernière pièce Surena en 1674/75. Racine est en plein succès et la mode est alors à l’opéra (de Lully). Ses gratifications allèrent diminuant voir même furent interrompues un temps, les travaux de Versailles et les guerres entreprises par Louis XIV coûtaient cher. En 1682, il quitte son appartement du Chemin des Gravois (actuelle rue de Cléry, 2^ème arr.) qu’il occupait, lui et sa famille avec son frère et sa famille depuis 1674 pour s’installer avec sa seule famille rue d’Argenteuil (1^er arr.), proche de l’Académie Française à laquelle il a été reçu en 1647 après deux échecs au prétexte qu’il n’habitait pas la capitale ; et où il se rendra jusqu’à un an avant sa mort. Son frère prendra sa succession. Racine qui en prononça le discours de réception dressa en fait l’éloge de son frère.

Il termine ses jours dans la maladie et le souci pécuniaire, les 2000 livres[6] de rente par an qu’il percevait cessèrent de lui être versés à la mort de Colbert en 1683.

« Boileau, informé de sa position cruelle, courut à Versailles et offrit au roi le sacrifice de sa propre pension : « Je ne puis sans honte, dit-il à Mme de Montespan, recevoir une pension du roi, tandis qu’un homme tel que Corneille en serait privé. » Louis XIV s’empressa d’envoyer cent louis à l’illustre malade. Deux jours après, Corneille expirait à l’âge de soixante-dix-huit ans … Racine, qui venait d’être nommé directeur de l’Académie Française, demanda de prononcer son oraison funèbre ; cet honneur fut confié à un autre. Le poète Benserade dit à Racine : « Si quelqu’un pouvait prétendre à enterrer Corneille, c’était vous, et vous ne l’avez pas fait. Trois mois après, Racine se dédommageait en prononçant [janvier 1685] à la réception de Thomas Corneille, successeur de son frère à l’Académie, un magnifique éloge de Pierre Corneille» (https://www. residenceagathos.com/deces-de-pierre-corneille-le-1er-octobre-1684-a-paris/.)

Œuvres Majeures : L’Illusion Comique (1636), Le Cid (37), Horace (40), Cinna (41), Polyeucte (42), Le Menteur (43), Rodogune (45), Nicomède (51) Tite et Bérénice (70) Suréna (1674).

La Tragédie Cornélienne

C’est tardivement dans ses Discours et Examens, après 1660 que Corneille fixe son système dramatique. Le sujet, emprunté à l’histoire, de préférence romaine (Horace, Cinna, Pompée) ou à la légende, porte sur une action extraordinaire qui pourrait passer pour invraisemblable si elle n’avait un support historique ou légendaire. Boileau limitera le vraisemblable à la bienséance (à la morale). Pour Corneille, « le vrai peut parfois ne pas être vraisemblable ». nous dirions de nos jours que la réalité peut dépasser la fiction.

Après 1650, L’intrigue de ses tragédies va se complexifier. Corneille parle de « Tragédies implexes ». Par exemple au couple Tite et Bérénice (pièce d’après Suétone) de 1670, il ajoute le couple Domitian-Domitie ; ce qui peut donner une intrigue trop lourde et dissiper l’intérêt du spectateur. Déjà  dans Polyeucte (1642 au Théâtre du Marais), on trouve deux intrigues qui se réunissent à la fin. Cette complexité est à l’opposé de l’intrigue racinienne qui « fait quelque chose de rien ».

Le conflit est en quelque sorte le nerf de la tragédie cornélienne. Il « oppose l’impétuosité des passions  aux lois du devoir et aux tendresses du sang. Cléopâtre, aveuglée par la soif de pouvoir, réprime son sentiment maternel ; Horace dans ses excès patriotiques, fait taire son amour pour Sabine, son épouse, et son attachement à ses beaux-frères, et va ignorant les « tendresses du cœur » jusqu’à tuer sa sœur ;. Polyeucte fait le sacrifie de toutes « ses affections terrestres » pour satisfaire à son devoir de chrétien… Dans ce conflit entre devoir et passion, c’est toujours le devoir qui l’emporte. A noter qu’au XVIIème siècle, le terme de passion ne désigne pas comme de nos jours un intense sentiment amoureux, une forte attraction envers une personne ou un vif intérêt pour une activité. Il a d’abord désigné la souffrance (Passion du Christ). A l’âge Classique, il signifie l’émotion en général, les sentiments de plaisir ou de déplaisir. Dans son Traité des Passions ( ou Les Passions de l’Âme, à noter le pluriel, daté de 1649, Descartes parle des mouvements de l’âme.

L’admiration est un ressort dramatique que Corneille privilégie plus que la crainte et la pitié qui pour Aristote étaient les deux ressorts premiers de la tragédie : pitié éprouvé envers le protagoniste qui sombre dans le malheur (le tragique) et crainte pour nous de subir un sort semblable à suivre nos passions. Pour que « la purgation des passions, puissent se faire, le héros ne doit être ni tout à fait bon ni tout à fait mauvais, qu’il suscite notre sympathie sans être tout à fait irréprochable. Pour Corneille, le héros doit susciter l’admiration pour son courage, pour sa prise de décision, souvent radicale qui tranche le conflit, et non de la pitié.

Ainsi le héros, admiré qu’il doit être, s’admire en fait aussi lui-même. Il a une haute idée de lui-même. Il tire gloire de satisfaire à son honneur, gloire qui est « une forme passionnée de l’honneur ». Fier, le héros cornélien ne doit pas d’abord se décevoir. Il veut « réaliser la plus haute image de lui-même ».

Ainsi « l’amour est seul digne d’être confronté à la gloire » . Ils paraissent s’opposer, mais gloire et amour sont d’une même veine. « La gloire est fondée sur l’estime de soi-même, l’amour sur l’estime de l’être aimé. » (Pour cette section, Lagarde et Michard/ XVIIème siècle/ Corneille, Bordas 1970)

La tragédie héroïque cornélienne inspirera fortement le dramaturge John Dryden (1631-1700) (voir Teulade, Anne. « Dryden et Corneille : pratique et critique de la tragédie héroïque ». Pratiques de Corneille, édité par Myriam Dufour-Maître, Presses universitaires de Rouen et du Havre, 2012, https://doi.org/10.4000/books.purh.10338.)

Quant à la comédie dite héroïque, Corneille la distingue nettement de la tragédie. Dans sa préface de Don Sanche d’Aragon   il écrit : « Don Sanche est une véritable comédie, quoique tous les acteurs y soient rois, ou grands d’Espagne, puisqu’on n’y voit naître aucun péril, par qui nous puissions être portés à la pitié, ou à la crainte. »

« La comédie, dans le système cornélien - mais sur ce point Corneille n’est pas une exception - se définit par opposition à la tragédie, qui se définit avant tout par le péril de vie concernant deux personnages liés par le sang ou l’amour, puisque c’est ce péril qui provoque les effets propres à la tragédie. Ce qui ne comporte pas ce type d’action ressortit à la comédie, indépendamment du « rire » qui n’est pas considéré comme critère suffisant ni même nécessaire du genre comique. » (Revaz Gilles. La comédie héroïque et la tragédie : quelle distinction générique ?. In: Littératures classiques, n°51, été 2004. Le théâtre au XVIIe siècle : pratiques du mineur. pp. 305-315; Doi : https://doi.org/10.3406/licla.2004.2017; https://www.persee.fr/ doc/licla_ 0992-5279_2004_num_51_1_2017;)

 

Corneille et Molière

Corneille et Molière, sa femme Armande et sa troupe ont entretenu des liens étroits de 1658 où la troupe arrive à Rouen  jusqu’à la mort de Molière en 1673 à Paris. La troupe, L’Illustre Théâtre, installée au Palais-Royal créera plusieurs pièce du tragédiens tandis que Molière donnera ses plus grandes comédies.

L’affaire Corneille-Molière opposent cornéliens et moliéristes sur la question de la paternité des grands chefs-d’œuvre de Molière. 

Molière est un chef-d'œuvre de Corneille, c’est ainsi que le poète et romancier français, Pierre Louÿs (†1925) intitula son article paru en 1919 dans la revue Comédia. Cet article remettait en question la paternité des œuvres de Molière pour les attribuer à Corneille. Les arguments principaux, étaient :

1. ·        Que Corneille avait besoin d’argent n’ayant rien écrit depuis 1651 ;
2. ·        Qu’il voulait rester le plus grand auteur de tragédies du théâtre français ;
3. ·        Qu’il pouvait sous l’anonymat prendre sa revanche sur la bourgeoisie parisienne avec des comédies satiriques comme Les Précieuses, L'École des Femmes…

Mais encore[7]

« Nous n’avons de Molière aucune œuvre manuscrite, aucune épreuve d’édition, aucune correspondance, aucun billet doux ou professionnel, aucun livre annoté de sa main, aucune dédicace, aucun brouillon de pièce en chantier. Encore plus inexplicable : alors que la mode était aux correspondances d’hommes célèbres, aucune lettre de Molière n’a été citée ou éditée par un tiers [8]» ;

« Il existe de si grandes disparités de style entre les différentes pièces signées Molière, ainsi qu’à l’intérieur de chacune d’elles, que le pire côtoie le meilleur. Pour le moliériste Daniel Mornet : « Il y a un style de Regnard, un style de Marivaux, un style de Beaumarchais, même un style de Nivelle de la Chaussée, qui est détestable, ou un style des drames de Diderot, qui n’est pas meilleur. Il n’y a pas de style de Molière .»

Sont aussi notées des similitudes entre l’alexandrin de certaines pièces signées Molière et celui de Pierre Corneille. 

La supercherie serait d’autant possible que le débutant Molière connaissait bien la vie parisienne et la vie de province, savait animer une scène, lui donner du mouvement mais connaissait peu l’écriture théâtrale et ses règles. Il aurait été un homme de théâtre mais non un lettré. De plus, Molière séjourna plusieurs mois à Rouen en 1658 et Les Précieuses ridicules ont  été jouées l’année suivante  au Petit-Bourbon. Le succès fut considérable.

En 1957, l’écrivain Henry Poulaille publie Corneille sous le masque de Molière en voulant démontrer la validité des thèses de Pierre Louÿs. L’ouvrage passe quasiment inaperçu. En 1990, l’avocat belge Hippolyte Wouters publie Molière ou l’auteur imaginaire ? qui suscite la polémique.

En 2002, à partir de différents outils d’analyses statistiques qu’il a utilisé, dont le calcul de la distance intertextuelle, pour Dominique Labbé, spécialisé dans la statistique appliquée aux faits sociaux et au langage, et auteur de Si deux et deux font quatre, Molière n'a pas écrit Dom Juan (2009), la paternité des œuvres de Molière à partir de 1659 doit être attribuée à Corneille.

En 2004, l’écrivain et chercheur Denis Boissier dans L’Affaire Molière parvient sur un plan historique et littéraire aux mêmes conclusions que Dominique Labbé.

En 2006 , «  L’Association cornélienne de France ouvre le site ‘corneille-moliere.org’ (site officiel de l’affaire Corneille-Molière) qui rassemble chercheurs, historiens, écrivains, professeurs de Lettres, journalistes littéraires et personnalités du théâtre. Leurs études, associant la carrière de Pierre Corneille et celle de Molière, présentent un faisceau d’indices précis, graves et concordants » (https://corneilleavecmoliere.net/Corneille_avec_Moliere/LAffaire_Corneille-Moliere.html).

Selon la linguiste russe Eléna Rodionova, linguiste à l'Université d'État de Saint-Pétersbourg,  a dans sa thèse de 2008 consacrée à la question de la paternité des œuvres de Molière utilisé la méthode " de la ‘’reconnaissance des formes ‘’, Le Dépit amoureux, L'École des maris, Les Fâcheux, L'École des femmes, Tartuffe, Les Femmes savantes sont à 95% probablement de Corneille Selon elle, il est fort que Sganarelle, Le Misanthrope, Mélicerte, la Pastorale comique probable sont à 63-73 % probablement aussi de Corneille, et L'Étourdi de Quinault.

Les statisticiens Valérie Beaudouinet et François Yvon, le chercheur à l’ATST (Archive, texte et sciences des textes) Jean-Marie Viprey, à partir d’approche différentes des textes des deux dramaturges, remettent en cause leurs conclusions. Ainsi que Georges Forestier, titulaire de la chaire des études théâtrales du XVII^e siècle à la Sorbonne qui rappelle que si nous n’avons aucun manuscrit de Molière, il en est de même pour Corneille et pour Racine, et que si Molière est devenu le grand auteur que l’on connaît à un âge avancé pour l'époque, cela tient à la progression de son œuvre, de sa première comédie, L'Étourdi, écrite en 1655 (il a 33 ans), inspirée d'un modèle italien, à sa première grande comédie originale, L'École des femmes, créée en décembre 1663 (il a 41 ans). Enfin, les travaux de Florian Cafiero, chercheur au CNRS, et Jean-Baptiste Camps, chercheur à l'École nationale des chartes, démontrent par une étude stylistique que Molière est bien l'auteur de ses pièces.

D’autre part :

Pierre Corneille était le collaborateur idéal :

-Il a commencé sa carrière comme "fournisseur" de la troupe de Mondory au Théâtre du Marais ;

• - Il a été le collaborateur littéraire du cardinal de Richelieu et celui de son riche intendant Desmarets de Saint-Sorlin ;
• - Il a longtemps été un « poète comique » très applaudi ;
• - Il maîtrise parfaitement la comédie et la satire, (ses premières pièces sont des comédies) ;
• - Il n’a jamais refusé une commande ;
• - Il a toujours cherché à mêler comédie et tragédie (tous les chefs-d’œuvre signés Molière sont à la frontière des deux genres) ;
• - Il ne fréquente aucun salon littéraire et a des comptes à régler depuis 1637 avec les doctes, depuis 1642 avec les dévots et les Précieuses ;
• - Il est tenu, à cause de ses six enfants, de gagner toujours plus d’argent ;
• - Il est d’un tempérament secret et mystificateur ;
• - Il est d’une rapidité d’exécution étonnante. ( Réf. cit.)

« Alors que la littérature du XVIIe est si abondante sur l’œuvre d’un Corneille et d’un Racine, pourquoi est-elle si pauvre sur celle de Molière ? […] J’ai eu la curiosité de lire toutes les préfaces de ces auteurs dramatiques dont beaucoup, comme Molière lui-même, furent comédiens et parfois de sa troupe même : Baron, Boursault, Brécourt, Champmeslé, Thomas Corneille, Donneau de Visé, Hauteroche, Montfleury père et fils, La Tuilerie, Raymond Poisson, Quinault, Rosimond, Brueys et Palaprat, Regnard, Dufresny, Dancourt ; pas un ne cite le nom de Molière, ne fait allusion à son œuvre. » (Georges Mongrédien, historien spécialiste du XVIIème siècle, Recueil des textes et des documents du XVIIe siècle relatifs à Molière,)

Corneille et  Racine

Avec son Andromaque (1667), Racine rompt avec la conception héroïque de la tragédie que Corneille avait édictée en 1660 dans son Discours de l'utilité et des parties du poème dramatique : le politique doit toujours prévaloir sur l’amour (la galanterie : rapports galants, séducteurs envers l’être aimé, compliments flatteurs) ; l’amour se doit de rester au second plan car il relève du genre comédie.

En 1670, Henriette d’Angleterre, Madame, épouse de Monsieur, portait une attention particulière au jeune Racine qui lui était redevable du succès de son Alexandre Le Grand en 1665 ; succès qui lui valut une pension de 800 livres. Elle  souhaita que les deux poètes composent une tragédie sur un même sujet : les Adieux de Titus et de Bérénice. Racine, en pleine possession de son art et au début d’une décennie au cours de laquelle il écrira ses plus grandes œuvres, jouissait des faveurs du public et de la cour ; ses grands chefs-d’œuvre derrière lui, Corneille n’était déjà plus le Grand Corneille, et le tragique héroïque était passé de mode.

Bérénice de Racine fut représenté le 21 novembre 1670 à l’Hôtel de Bourgogne,   Le Tite et Bérénice de Corneille fut représentée hui jours plus tard  au Théâtre du Palais-Royal le 28 novembre  et de sa tragédie, on n’aura retenu qu’un beau vers : « Chaque instant de la vie est un pas vers la mort ».

Quelques points de comparaison entre le normand Pierre Corneille (1606-1684) et le Picard, Jean Racine (1639-1699): Les tragédies de Racine débutent alors que l’action a déjà commencé. Le spectateur prend l’histoire en cours de déroulement comme s’il avait manqué le début. Corneille, plus classique en cela, attend que le spectateur soit dans la salle, que le rideau soit levé pour faire commencer l’action… en un lieu… Mais, parce que plus soucieux de vraisemblance que Corneille qui sait que la réalité historique dépasse souvent la fiction, Racine est de ce point de vue plus classique.

Racine peint les hommes tels qu’ils devraient être, Corneille tels qu’ils sont.

Racine est un janséniste ami de Fénelon. Corneille est un stoïcien, son christianisme est plus proche de celui de Bossuet.

L’amour chez racine se nourrit de passion. Il est une longue suite de rendez-vous manqués : Pyrrhus (celui de la fausse victoire) aime Andromaque qui aime Hector, son époux défunt. Phèdre aime Hippolyte qui aime Aricie.

Chez Corneille, l’amour se forge dans l’admiration. Il est un choix impossible, confronté qu’il est à un devoir contraire.

Le vers racinien par son rythme ses sonorités dépasse les douze pieds de l’alexandrin.

« Pour qui sont ces serpents qui sifflent sur vos têtes » (Andromaque, Acte 5, scène 5)

Le vers cornélien tend plus vers l’éloquence, une déclamation qui maîtrise la césure à l’hémistiche.

« Prends un siège Cinna, prends et sur toute chose /Observe exactement ce que je t’impose » (Cinna, Acte IV, scène 2)

« A vaincre sans péril on triomphe sans gloire » (Le Cid, Acte II, scène 2)

Quand les tragédies de Racine commencent à être jouées, au début du règne de Louis XIV (1661), Corneille a déjà son œuvre derrière lui ; ces pièces ont été jouées en grande majorité sous Louis XIII. Racine entame la grande période du classicisme, Corneille clôt celle du baroque français.

Thomas Corneille

Thomas Corneille (1625-1709), né à Rouen, mort à Paris, de dix-neuf ans le cadet du « Grand Corneille » comme il se plaisait à nommer son frère, conscient de son moindre talent, écrivit pour tous les genres dramatiques et pour aussi pour l’opéra (exactement la tragédie-lyrique). Il obtint de grands succès au théâtre : les plus célèbres, Ariane, le Comte d'Essex, tragédies et le Festin de Pierre, comédie versifiée du Don Juan en prose de Molière. Il a laissé quarante-deux œuvres dramatiques

Ses confrères de plume, Palissot, La Harpe, portèrent des jugements mitigés sur son œuvre lui attribuant « une versification flasque et incorrecte », tandis que Boileau le traité de « cadet de Normandie. Par contre, Voltaire estima « qu’il était le seul de son temps qui fût digne d'être le premier au-dessous de son frère… et que c'était un homme qui aurait une grande réputation s'il n'avait point eu de frère ». Dans les années 70, ses ‘tragédies amoureuses’ comme celle de Quinault et Racine éclipsèrent ce qu’il pouvait rester de lustre à son frère.

Il fit parti des ‘modernes’ et combattit La Bruyère. Entré en 1685 à l'Académie Française sur un discours de Racine, membre de l’Académie des Inscriptions et Belles-Lettres, il est l’auteur du Dictionnaire des Termes des Arts et des Sciences et du Dictionnaire Universel Géographique et Historique.

Homme bon, modeste, au talent reconnu, il mourut vieux et aveugle en 1709. Sa famille partagea pendant assez longtemps l’appartement de son frère et de sa famille.

Molière

Jean-Baptiste Poquelin[9] (1622-1673), né à Paris, rue de la Juiverie dans le quartier juif du Marais, et mort à Paris, rue de Richelieu (2^ème arr.), est issu d’une famille bourgeoise aisée dont le père était tapissier du roi[10]. Sa mère meurt alors qu’il a 9/10 ans en mettant au monde son frère cadet. Elle avait mis au monde un premier enfant qui n’avait pas survécu. La mort prématuré de sa mère sera une épreuve déterminante chez l’enfant et fera que le futur dramaturge ne créera dans aucune de ses pièces le personnage emblématique de la mère. Mais on y trouvera des épouses, des jeunes filles. De même que cette figure de la Mère sera absente, sera absente une quelconque évocation et encore moins invocation d’un Dieu rejeté. Son père se remarie et à ses cinq frères et sœurs en viendront s’ajouter deux autres. Il fait ses premières études au lycée de Clermont (actuel Louis-Le-Grand) comme le fera Voltaire. Il y rencontrera entre autres Savinien de Cyrano de Bergerac. Outre l’ enseignement classique qu’il reçoit, il apprend l’escrime et la danse.

A Clermont, Molière devient pour toujours l’ami de Claude-Emmanuel Luillier, homme de lettres qui, connu comme libertin sous le nom de Chapelle, sera une des élèves de Gassendi. Au début des années 1640, le bon vivant et enjoué François Bernier assistait à Paris aux leçons que donnait son ami proche Gassendi à son élève. Chapelle a laissé son nom dans l’histoire pour avoir été l’ami proche de Molière mais aussi de Charles Coypeau d’Assoucy dit Dassoucy et de Cyrano de Bergerac (voir Poésie/France).

Charles Coypeau d’Assoucy (1605-1677), musicien, joueur de théorbe, écrivain aux mœurs dissolus s’inscrivant dans le courant libertin, ami de toujours de Molière fut son collaborateur musical. Quant à Cyrano, on sait la vie libertine et l’amitié particulière qu’il entretenait avec Dassoucy.

Selon le polymathe Jean-Léonor Le Gallois sieur de Grimarest (†1713), auteur de la première biographie de Molière en 1705, ce dernier  aurait comme Cyrano de Bergerac suivi les cours de Gassendi.

A 20 ans, Poquelin travaille un temps aux côtés de son père qui à l’intention de lui céder sa charge. Pour cela, il aurait été dans la suite de Louis XIII se rendant à Narbonne. Un an plus tard en 1643, il contrecarre le souhait de son père et décide de devenir comédien. Le nom de scène qu’il prendra, Moliere (toujours orthographié sans accent), se trouve pour la première fois dans un document daté du 28 juin 1644.

Plusieurs hypothèse sont avancées sur l’origine de ce surnom :

• ·        Louis de Mollier (vers 1615-1688), auteur en 1640 d'un recueil de Chansons pour danser, aurait autorisé  Moliere qui aurait vu en lui un maître,  à emprunter de son nom.
• ·        Molière aurait pris son surnom à François-Hugues de Molière, auteur libertin méconnu, mort en duel ou assassiné en 1624, auteur d’un ouvrage à succès paru en 1640,
            La Polyxene de Moliere.
• 
  

Selon l’usage courant, Molière comme bien d’autres comédiens - Guillaume Desgilberts se disant Sieur de Mondory du ‘Marais’, Pierre Le Messier se disant Sieur de Bellerose, Zacharie Jacob   se disant   Sieur de Montfleury, Josias de Soulas, se disant Sieur de Floridor (lui était vraiment gentilhomme), tout trois de l’Hôtel de Bourgogne- aurait trouvé son nom en se donnant un imaginaire titre provenant d’un imaginaire domaine .

« Or, ajoute Forestier [Georges, professeur émérite de littérature française à la Faculté des lettres de Sorbonne Université], dans les mois qui suivirent la constitution de L’Illustre Théâtre, tous les garçons prirent des noms de théâtre champêtres. Joseph Béjart devint le « sieur de La Borderie », Germain Clérin le « sieur de Villabé », Georges Pinel le « sieur de La Couture », Nicolas Bonenfant, le « sieur de Croisac », et Nicolas Mary s’était depuis longtemps fait connaître comme le « sieur Des Fontaines ». Et Molière signa « De Molière ». Or, des dizaines de lieux-dits ou de villages français se nomment Meulière ou Molière, et désignent des sites où se trouvaient des carrières de à meule… Il est donc très probable que Molière ait choisi à son tour un fief campagnard imaginaire, ce qui expliquerait qu'il ait commencé par signer « De Molière » et ait été régulièrement désigné comme « le sieur de Molière ».

Cette même année 43, Molière, les Béjart, Joseph, Geneviève et Madeleine (1618-1678) de quatre ans son ainée et cinq autres compagnons créent  la troupe de l’Illustre Théâtre. Ce sera après celle de Bellerose à l’Hôtel de Bourgogne créée en 1630 et celle du Théâtre du Marais crée en 1634, la troisième troupe permanente de théâtre qui se produira à Paris.

La troupe loue la salle du Jeu de Paume des Métayers au n°12 de l’actuelle Rue Mazarine et la transforme en théâtre.  L’inauguration a lieu le 1er janvier 1644 avec  La Mort de Sénèque de Corneille, tragédie évoquant une conspiration avortée contre Néron. « C’est un échec total » et la troupe doit déménager au plus vite. De plus, Molière est un temps emprisonné pour ne pas avoir payer la facture des chandelles. Un document daté du 28 juin 1644 mentionne pour la première fois son nom de scène, Molière. A la fin de cette année 1644, L’Illustre Théâtre s’installe dans la salle du jeu de paume de la Croix Noire, rue des Barres, dans le quartier Saint Paul, emportant les bois et les loges et réaménageant en 18 jours seulement la nouvelle salle (https://www.histoires-de-paris.fr/ theatres- jeux-paume-moliere/).

Mais sans plus de succès. Après quelques autres tentatives malheureuses [dont en 1645, la création de La Mort de Crispe de Tristan L’Hermite], Molière [et toute la troupe] va quitter Paris pour une tournée provinciale qui durera plus de douze années » (Danielle Mathieu-Bouillon réf. cit.), de 1645/46 à 1658.                                                                                                                                                                       

L’Illustre Théâtre, qui a fait faillite, s’associe pendant cinq ans à la troupe de Charles Du Fresne (1611-1684), protégé du Duc d’Épernon qui a été  un des mignons[11] de Henri III (†1589) et qui est alors Gouverneur de Guyenne. Plus ou moins rayonnant dans le Sud-Ouest, les deux  troupes fixent leur port d’attache à Lyon où jouait déjà la Commedia dell’arte et part jouer dans le Languedoc, la Provence… En 1650, Dufresne meurt et Molière prend la direction de la troupe, direction qu’il gardera jusqu’à sa mort. La troupe a du succès. Après avoir bénéficié des faveurs du Comte d’Aubijoux, lieutenant-général du roi pour le Haut-Languedoc, elle obtient  en 1653 celles du Président des États du Languedoc, le Prince de Conti (†1666), frère du Grand Condé et en conséquence de quoi  une pension. Elle (les deux troupes associées) prend le nom de Troupe de M. Le Prince de Conti. En 1657, Conti se fait janséniste et ‘lâche’ ses comédiens.

Ces années provinciales ont formé Molière comédien notamment au contact des acteurs du Théâtre Italien ; Molière auteur avec des farces comme La Jalousie du Barbouillé, Le Médecin Volant, bon connaisseur qu’il était de la Farce traditionnelle et connaisseur aussi de la société de son temps, côtoyant hobereaux, villageois, marchand, grands seigneurs, paysans aux patois variés… Deux de ses comédies connurent particulièrement le succès : L’ Étourdi créé à Lyon en 1655 et Le Dépit Amoureux musique de Marc-Antoine Charpentier) crée l’année suivante à Béziers en 1656.

En 1658, selon les sources, la troupe soit s’installe à Rouen soit y séjourne plusieurs semaines. Pour rappel, Mondory avec sa troupe est passée à Rouen en 1629 où il découvert le talent du jeune Corneille et a commencé à jouer ses comédies en 1630 au Théâtre du Marais et en 1637 Le Cid qui révéla Corneille au grand public. Sous la protection nouvelle de Monsieur, la troupe fait son entrée à Paris, cette même année 1657.

« 1658 : Mai : Thomas Corneille explique dans une lettre qu’il attend [à Rouen donc et les Corneille et Molière auraient déjà eu des échanges expliquant cette attente ?] la venue de Madeleine Béjart et de sa troupe (Molière n’est encore qu’un comédien parmi les autres) [ ?? Molière dirige la troupe depuis la mort de Dufresne en 1650]

• - Juin-juillet : Long séjour de la troupe à Rouen et lecture chez les Corneille du roman La Précieuse de leur ami l’abbé de Pure, source des Précieuses ridicules. [Corneille est encore
      pour un temps Le Grand Corneille qui a connu auteur de grands succès, mais qui n’écrit plus pour le théâtre depuis 8 ans].
• - Octobre : Corneille et Molière quittent Rouen pour Paris [avant 1673, Corneille n’y fera que des séjours].
• - Octobre/novembre : La troupe de Madeleine Béjart/Molière représente devant le Roi plusieurs pièces de Pierre Corneille » [ ?? Corneille revient au théâtre en 1659 avec Œdipe 
     joué au l’Hôtel de Bourgogne, la pièce sera bien accueillie.] (https://corneilleavecmoliere.net/Corneille_avec_Moliere/LAffaire_Corneille-Moliere.html)

A Paris, de 1661/62 à 1673, la troupe et le Théâtre Italien vont se partager la scène du Théâtre du Palais –Royal (voir Les Salles). En 1673, les deux familles Corneille, Pierre et Thomas, s’installent définitivement à Paris.

La Commedia dell’arte a connu son apogée au XVII^ème siècle avec des troupes comme celle d’Andreini (rôle du Capitan) qui est venue jouer à Paris au tout début du siècle. La troupe italienne partagera le Petit-Bourbon (grande salle réservée aux représentations et cérémonies dans l’ancien Grand Hôtel de Bourbon) avec Molière qui s’inspira largement, lui, le ‘père’ de Sganarelle, de ce genre théâtral. Ses pièces, à lui, serviront par la suite, en retour, de fil conducteur aux représentations de la Commedia.

Le personnage créé par Henri Legrand, Turlupin (voir Farceurs et Bateleurs), est l'ancêtre direct du Mascarille (L’Étourdi, Lyon 1655] et du Scapin de ses Fourberies, 1671 Palais royal) (Encyclopædia Universalis)

Les grands succès vont se succéder :

Sont joués devant le roi en 1658 au Petit-Bourbon L'Étourdi ou Les Contretemps et Le Dépit amoureux qui lassent un peu le roi ; il présente alors Le Docteur Amoureux, ravi le roi lui confie la salle. Il présentera l’année suivante Les Précieuses Ridicules qui, enrichi par le jeu de l’acteur comique Julien Bedeau dit Jodelet, connut un succès considérable. Mais le théâtre sera fermé l’année suivante, en 1660 pour construire à sa place la colonnade du Louvre. Les comédiens allèrent jouer au Théâtre du Palais Royal.

Dans Les Précieuses, Jodelet reprenait son rôle du Vicomte Jodelet et Molière interprétait Mascarille, bouffon traditionnel de la Commedia. Molière le remplacera par Sganarelle.

Il va s’essayer sans succès à la tragédie héroïque avec Don Garcie de Navarre en 1661. De là, il s’efforça, a-t-on écrit, d’élever la comédie au rang de la tragédie.

Il écrit tout de suite L’École des Maris (1661), comédie-farce dans laquelle à la peinture des caractères et mœurs vient s’ajouter pour la première fois une morale. Quelque mois plus tard, en août, lors de la célèbre fête donnée par Fouquet dans son magnifique Château de Veau Le Vicomte, dans un décor fastueux où l’emblème solaire, peint par Lebrun, tient une place privilégiée(!) (voir Introduction/France/ Les Événement Majeurs/ L’affaire Fouquet) et pour laquelle plus de 3000 invités (Les Fêtes des Plaisirs de l’Ile Enchantée, Versailles 1664 n’en comptera ‘que’ 600) sont venus de toute l’Europe, sont représentés Les Fâcheux, une comédie-ballet[12] satirique qui déroule une série de portraits à laquelle le roi lui-même suggéra à Molière d’ajouter le portait de M. de Soyecourt, chasseur enragé.

1662 est l’année de L’École des Femmes mais aussi du mariage avec Armande Béjart († 1700), plus jeune que lui de 20 ans, sœur de Madeleine si elles ont le même père Joseph Béjart, ou sa fille si elle est née de la relation de Madeleine (1618-1672) avec Monsieur de Modène gentilhomme d’Avignon, qui seront marraine et parrain de la seule enfant sur quatre qui survivra, Esprit-Madeleine Poquelin. A partir de la création de l’Illustre Théâtre en 1643 et pour longtemps, Madeleine, femme à la forte personnalité et à la beauté reconnue de tous, a longtemps été la compagne de Molière de quatre ans plus jeune qu’elle.

L’École des Femmes, une comédie ‘sérieuse’, donnée toujours au Palais-Royal et dans laquelle la profondeur psychologique n’a d’égale que la question morale de la place de la femme dans la société, et donc à commencer par son accès à la culture, lui ouvrant ainsi d’autres horizons. La question de la place de la femme dans la société et son accès à la culture avait déjà était abordée en France notamment par la romancière Marie Gournay († 1645) dans L'Égalité des hommes et des Femmes de 1622

La pièce, en cinq actes, s’origine de multiples sources. De El prevenido engañado (Les Prévenus trompés, 1637) de la nouvelliste María de Zayas y Sotomayor († 1660 voir Roman/Espagne), quatrième de ses romans d'amour et que Paul Scarron traduisit en 1655 sous le titre de La Précaution. L’acteur et dramaturge Dorimond avait déjà écrit en 1659 L'École des cocus, préalablement intitulé La Précaution inutile comme la nouvelle dont elle est l'adaptation. Alors âgée de 32 ans, Agnès a été un des meilleurs rôles de Mademoiselle de Brie (1630-1706), qui sera à l’appel du public amenée à jouer ce personnage jusque dans les années 70. Elle partagea les premiers rôles avec Madeleine Béjart de 12 ans son aînée et sera une des premières sociétaires de la Comédie-Française.

Molière conserve la trame d’un homme d’âge mûr, qui, persuadé que le savoir pervertit les femmes leur donnant trop de liberté d’esprit et autres, décide d’épouser sa jeune pupille élevée dans un couvent et la garde enfermée. Mais malgré cette précaution qui s’avèrera inutile, elle s’enfuira avec un amoureux. Molière renoue avec la Comédie Amoureuse,  un genre qu’avait inventé Corneille en 1634 avec La Place royale, qui, créée au Théâtre du Marais en 1636, loin de la farce et du gros comique, traitait de l’amour, de la contrainte à être marié, de la fidélité. L’École connut un grand succès. Molière y ajoute ouvertement une dimension sexuelle : Alain, le valet, empêche son oiseau (son sexe) de sortir de sa cage de peur du chat. L’ingénu Agnès a été gênée dans son sommeil par des puces, référence directe à la littérature érotique dans laquelle les puces sont synonymes des ‘démangeaisons’ amoureuses. 

Molière arrive là au juste équilibre entre comique et sérieux. Il fait la jonction entre deux veines du théâtre depuis l’antiquité, l’intrigue amoureuse et la verve satirique qui  provoque des éclats de rire. La pièce par le succès immense qu’elle connut suscita La Querelle de L'École des femmes alimentée par ses rivaux, notamment du ‘Bourgogne’, les précieuses, les dévots (Arnolphe est ridiculisé par sa lecture du Catéchisme du concile de Trente 1566) et peut-être les frères Corneille.

Molière répondit par une préface à l’édition de la pièce et par La Critique de l'École des femmes en un acte, jouée ultérieurement en même temps que L’École.

Molière était en pleine gloire. Fortuné, il recevait une pension du roi qui, dit-on, pour mettre fin à l’accusation faite à Molière d’épouser sa propre fille  voulut être le parrain de son premier fils né en 1664 et prénommé…Louis. Molière devient le fournisseur des divertissement royaux et charge plus honorifique que réelle, tapissier du roi (comme son père). En cette même année 64 pour les grandes fêtes de L’Ile Enchantée est donnée La Princesse d’Edile. Sa comédie-Ballet, Le Mariage Forcé, chorégraphie de Pierre Beauchamp, musique de Lully , fait date en ce qu’elle lie étroitement l’intrique au ballet et aux divertissements.

La même année est représentée une première version du Tartuffe ou L’Hypocrite, pièce en trois actes. Sous la pression du parti des dévots, des jansénistes et sans oublier toujours celle des comédiens jaloux, elle n’est donnée seulement qu’en privée chez Monsieur.

Le bruit a couru que les frères Corneille se sentant visés dans un passage auraient animé la cabale. L’allusion aux tragédiens est très vague si elle l’est ;  et  avaient-ils vraiment à gagner à se mettre à dos un directeur de troupe aussi bien en vue à la cour. En tout cas, leur collaboration ne cessa point. La troupe du Palais-Royal créa Attila de Corneille en 1667, rapportant à son auteur le belle somme de 2000 livres, « quatre à cinq fois plus que tout autre auteur ». Et encore, en 1671, Corneille, Molière et Quinault travaillèrent ensemble pour écrire Psyché.

Face à la cabale du Tartuffe, Molière réserva l’année suivante, en 1665, dans le Festin de Pierre à son Don Juan libertin, hédoniste coureur de jupons inspiré du personnage de Tirso de Molina († 1648) (L'Abuseur de Séville et l'Invité de Pierre,1630), le châtiment de la justice divine. Le pièce, sa seule comédie à visée philosophique, n’eut que 15 représentations au Palais-Royal où elles remportèrent un succès qui dépassa celui du Tartuffe. Elle suscita néanmoins à nouveau une cabale mais de moindre importance que la précédente. Le roi décida de prendre la troupe sous sa protection. La troupe de Molière qui depuis 1658 était La Troupe de Monsieur devient La Troupe du Roy, roi qui lui octroie alors une  pension de 6 000 livres par an.

Comédie de caractère en cinq actes en prose, L’Avare est donné en 1668 au Palais-Royal. Molière tenant trois rôles, celui d’Harpagon et de ses deux valets Brindavoine et La Merluche. Le rôle de Mariane était tenu par Armande Béjart-Poquelin mais toujours appelée Mademoiselle Molière. Au théâtre, les dames mêmes mariées ont toujours été et sont toujours appelées Mademoiselle.

En 1669, à Chambord, est créé Monsieur de Pourceaugnac qui porte la comédie-ballet « au rang de spectacle total » (Pierre Dandrey, docteur d’État ès lettres, Molière ou l'esthétique du ridicule Librairie Klinsksieck 1992)

En 1671, Molière crée à la Salle des Machines au Palais des Tuileries, Psyché, rôle-titre tenue par Mlle Molière, tragédie-ballet écrite par lui, Corneille et Quinault, avec ballets et intermèdes[13] sur une musique de Lully. Sans doute le plus grand succès de la troupe.

Intermèdes et ballets furent souvent intégrés aux comédies de Molière et autres auteurs. Le Bourgeois Gentilhomme (1670 Chambord, la comédie ballet la plus connue pour telle ) et Le Malade Imaginaire (musique de Marc-Antoine Charpentier) qui fut pour son auteur son dernier rôle, sont représentatives de ce genre, toutes deux avec une chorégraphie du violoniste et compositeur Pierre Beauchamp (ou Beauchamp 1631-1705), à qui l’on doit aussi les ballets de Psyché et de Atys de Lully-Quinault (1676). Le Bourgeois doit une partie de son succès à sa turquerie bien en goût à l’époque qui consistait à évoquer une Orient plus ou moins imaginaire. La pièce a été écrit à l’initiative du roi qui voulait se venger de l’affront qu’il avait reçu de l’ambassadeur du sultan Ottoman qui avait déclaré à son entourage au sortir de la munificente réception au cours de laquelle le Roi Soleil avait voulu l’éblouir par un costume d’apparat rayonnant de diamants, que le cheval de son sultan de maître est plus orné que l’habit royal.

Avec Les Fourberies de Scapin, comédie en trois actes et en prose créée quelque mois plus tard, Molière revient à ses amours premières pour le Théâtre Italien. La pièce a peu de succès mais au fil du temps, elle est devenue la plus populaire comme elle l’était à l’origine et comme lui reprocha Boileau. Molière remplace son Mascarille du Menteur (1642) par Scapin (Sacpino), le valet-bouffon de  La Commedia dell’arte, masqué, de blanc vêtu, intriguant, intéressé, que Molière dotera d’une vive intelligence prompte à résoudre les problèmes de ses maîtres. La pièce est inspirée de Phormion de l’auteur romain Terence (185-159), l’une des quatre principales sources antiques d’inspiration du théâtre de comédie du XVIIème siècle avec Plaute (254-184), Aristophane (350-485) et Ménandre (343-292).

 En 1672, Corneille écrit pour Mlle Molière une comédie héroïque, Pulchérie (une impératrice byzantine) qui est créée sans grand succès au Théâtre du Marais. Déjà malade, Molière n’y jouera pas. Cette même année 1672, le 11 mars est créé Les Femmes Savantes qui reprend peu ou prou le thème de L’École des Femmes sur l’instruction à donner ou pas au femmes. Molière jouait Chrysale (en quelque sorte le nouvel Arnolphe) et Mlle Molière jouait Armande (?!), une des trois femmes savantes subjuguées par le pédant Trissotin. Ce sera un échec avec pour conséquence que Lully supplante Molière dans les faveurs du roi et inaugure un genre nouveau la Tragédie-Lyrique. Ce genre associe, le ballet de cour et la pastorale et garde des ‘pièces à machine’ le côté spectaculaire de la scénographie avec ses imposants décors mobiles et ses effets spéciaux. Ce genre s’imposera en France pour deux siècles et fera barrage selon la volonté de Lully à l’opéra baroque, essentiellement napolitain.

 Madeleine Béjart est morte un mois plus tôt à l’âge de 54 ans. En 1664, trop âgée pour jouer les jeunes premières, elle avait passé la main à sa sœur (ou fille) dans les premiers rôles et ne jouait plus que les servantes.

Molière, contrairement à la légende, n’est pas mort sur scène. Le 17 février 1673, un an jour pour jour après la mort de Madeleine. La Troupe du Roy donne la quatrième représentation du Malade Imaginaire (ironie du sort). Molière est déjà atteint à ce moment-là d’une pneumonie[14] . Il n’est pas en état d’interpréter son rôle d’Argan. Mais, il tient quand même à l’assurer. Au cours de la représentation (les représentations ont lieu toujours en fin d’après-midi), il tombe inanimé. Selon le témoignage de La Grange, transporté à son domicile,  40 rue de Richelieu, il serait mort vers les dix heures du soir. Dans le courant de la soirée, on a en vain cherché un prêtre. Il sera enterré la même nuit sans sacrement ni cérémonie chrétienne, mais « il échappe de justesse à la fosse commune sur l'intervention de Louis XIV » (Charlène Vince, Responsable de l'Encyclopédie de Linternaute.com).

L’acteur Molière était reconnu de son temps comme un très bon acteur  dans les rôles ‘comiques’ qu’il écrivait d’ailleurs pour lui, mais il  l’était nettement moins dans les rôles sérieux. Tous reconnaissaient son talent de meneur de troupe, mais aussi ses grandes qualités de directeur d’acteur. Le jeu, la mise en scène, les décors ont certainement été pour une grande part dans le succès que rencontraient ses représentations. Esprit vif, il était un manager né et c’est sans mal qu’il fut rapidement le directeur des troupes dans lesquelles il a été, que ce soit celle de l’Illustre Théâtre, celle du Théâtre de Du Fresne dont les comédiens s’étaient mêlés aux siens, qu’avec la troupe de Monsieur devenue la troupe du Roy engageant les bon comédiens de son époque au grand dam du ‘Bourgogne’, comme Charles Varlet, dit La Grange (1635-1692) qui après avoir créé nombre de ses personnages dont Don Juan, le remplacera à la tête de la Troupe du Roy après sa mort. Certains comédiens quitteront alors la troupe pour rejoindre celle de l'Hôtel de Bourgogne dont le célèbre Baron ; ceux qui restèrent fusionnèrent avec les comédiens du Théâtre du Marais et s’installent  à la Salle de la Bouteille qui devient le siège du Théâtre de Guénégaud. En 1680, sur ordre du roi, la troupe qui prendra le nom de Comédie- Française en fusionnant avec celle du ‘Bourgogne’. Ils s’installeront dans une salle rue du Faubourg-Saint Germain qui deviendra le Théâtre de La Nation.

Les  formes des comédies de Molière, quelles soient en vers ou en prose, sont multiples et font peu de cas des règles du théâtre classique: la farce (l’Étourdi, le Dépit Amoureux, les Fourberies de Scapin), la comédie satirique (Le Médecin Malgré Lui, Le Malade Imaginaire), la comédie de mœurs (L’École des Femmes, Les Précieuses Ridicules, les Femmes Savantes, George Dandin[15]), la comédie de caractère qui touche aussi aux mœurs (l’Avare, Le Misanthrope), la comédie mythologique (Amphitryon, l’Avare en ce qu’elle est empruntée à Plaute), la comédie-ballet (Monsieur de Pourceaugnac, le Bourgeois Gentilhomme et Malade Imaginaire), la comédie sur le théâtre (La critique de l’École des Femmes et L’impromptu de Versailles), la comédie philosophique (Don Juan). Sur l’attribution de leur paternité voir Corneille/Corneille-Molière.

Leur commun dénominateur est qu’il s’agit toujours d’un théâtre réaliste qui veut représenter (avant l’heure) la comédie humaine. Les gens, la société tels qu’ils sont. Durant toutes ses années de province, aussi bien que dans les milieux parisiens, observateur né, Molière n’a eu cesse de noter ce qu’il lui semblait remarquable sur de petites tablettes qu’il portait sur lui en permanence. Point d’héroïsme, point de sublime passion, la vie au quotidien qui se déroule sous nos yeux. Qu’ils nous fassent rire ou qu’ils nous attristent, nous pouvons croiser sur notre chemin les personnages de Molière. Et d’ailleurs, Molière n’a qu’un juge, le public « de la multitude… et des honnêtes gens » (Préface des Précieuses), et n’a qu’une règle, lui plaire. Réaliste et vraisemblable son théâtre sonde la nature humaine mais le plus souvent sous ses mauvais travers : les vices qui se déguisent en vertu, les faux, fausses savants et savantes, les vrais pédants, les prétentieux avides de reconnaissance sociale, les tyrans domestiques…dont soufre leur entourage et font obstacle à l’amour et aux amoureux. Mais l’amour là aussi prend quelque peu tournure du ridicule ou du moins comique :

« Et quant aux transport amoureux [du 5^ème acte de L’École] qu’on accuse d’être trop outré ou trop comique, je voudrais bien savoir si ce n’est pas faire la satire des amants, et si les honnêtes gens mêmes, et les plus sérieux, en pareilles occasions, satire des amants, ne font pas des choses…Mais enfin si nous nous regardions nous-même quand nous sommes bien amoureux… » (La Critique de l’École scène 6)

Une vision quelque peu sombre de l’humain et de sa société. En définitive, un théâtre comique mais

«Quelle mâle gaieté si triste et si profonde, que lorsque qu’on vient d’en rire, on devrait en pleurer!» écrivit A. de Musset en 1840 dans une Soirée Perdue après avoir assisté à une représentation du Misanthrope.

Selon l’écrivain Ramon Fernandez († 1944), Molière a découvert que « le ridicule est un point de vue sur l’homme tout entier…un mode d’expression qui vaut, au même degré que la tragédie, pour tout ce qui de l’homme est à exprimer » (La Vie de Molière, Gallimard, 1929)

Ainsi, cet homme, que ses contemporains décrivent comme aimable, doux, civil, sans ostentation, généreux, dont l’autorité tenait à sa seule compétence, avec un côté rêveur que tous lui accordait, qui se liait avec les intellectuels rencontrés dans les salons mais sans avoir d’amitiés réelles avec ses comédiens sauf Baron, a sans doute, par l’obscure clarté de son comique, atteint son but de donner à la comédie une dimension égale à celle de la tragédie. Ainsi, sans doute aussi, n’a-t-il fait que suivre sa propre nature car comme tous les grands faiseurs de rires, cet homme dont l’allure, la démarche pouvait prêter à sourire mais dont les sourcils abondants et foncés, le teint brun lui donnaient un air ténébreux, devait cacher une part plus inquiète de lui-même.

« Le célèbre acteur français Michel Bouquet détectait même dans ses pièces "un règlement de compte avec lui-même".
"Les vices qu'il a peints, ce n'est pas seulement pour les avoir observés dans le monde mais pour les avoir éprouvés lui-même", écrivait en 2017 le comédien qui a joué plus de 400 fois dans des pièces du maître. »

Molières

Jean-Baptiste Poquelin n’a jamais voulu dire, même à ses plus proches, le choix de Molière comme pseudonyme.

«  Cette piste [celle des villages du Sud portant ce nom] n’est pas à retenir, car on trouve sa première signature sous ce pseudonyme en juin 1643 sur le contrat de fondation de L’Illustre Théâtre, donc avant sa tournée en province. On pense que notre poète a pu choisir son nom de théâtre en hommage à un romancier, François de Molière d’Essertines, libertin notoire, assassiné en 1624. On lui doit un roman, Polyxène, qui connut un succès très honorable — Charles Sorel en écrivit une suite —, et dans lequel on trouve un Alceste, un Philinte, ainsi qu’un fleuve Oronte, noms que notre poète utilise dans son Misanthrope. » (Jean Stouff Littérature et autres arts, Sic transit gloria mundi 2010 , https://biblioweb.hypotheses.org/4340)

Jean Racine

Jean Racine (1639-1699), né à La Ferté Milon (n.o. Paris) dans une famille de petits notables cultivés. Le père de sa mère Pierre Sconin était  Procureur du roi en la juridiction des Eaux et Forêts de Villers-Cotterêts. L’enfant se trouve orphelin à trois ans de sa mère Jeanne Sconin ( 29 ans en 1641) et à cinq de son père Jean ( 27 ans en 1643). Il est élevé par sa grand-mère paternelle, marraine et tutrice, Marie des Moulins (ou Desmoulins) et entouré de trois de ses quatre tantes et de leur maris. En 1649, cette grand-mère devient  moniale à la suite de sa fille, l’autre tante de Jean, Agnès de Sainte-Thècle Racine (†1700), moniale en 1642 qui sera abbesse de Port-Royal en 1689. Cette tante entretiendra avec son neveu non seulement pendant longtemps une correspondance mais encore de forts liens affectifs partagés.

 A dix ans, dispensé de pension au vu de sa situation, Jean suit  les cours des Petites -Écoles de Port-Royal, école  fondée par Antoine Singlin (1607-1664), un des ‘Solitaires’ qui fut directeur spirituel de B. Pascal (1623-1662) (voir Religion/France/Jansénisme et Molinisme/Port-Royal).  Racine dira qu’il passa son enfance « dans une société de gens qui se disaient assez volontiers leurs vérités et qui ne s’épargnaient guère les uns les autres sur leurs défauts ». 

Puis, il fait ses humanités au collège de Beauvais. En 1655, il revient à Port-Royal-des Champs (Vallée de Chevreuse). Pendant trois ans, ses maitres sont les ‘Solitaires’ Pierre Nicole, haute figure du jansénisme, l’helléniste Claude Lancelot et Antoine Le Maitre fondateur de leur petit groupe.  Racine a été ainsi éduqué, loin de l’enseignement jésuite alors dominant depuis qu’au début du siècle ont commencé à être mis en pratique en France les prescriptions de la Contre-Réforme. Un enseignement qui, avec l’esprit rigoureux des jansénistes mais non moins dans l’esprit des auteurs païens de l’Antiquité privilégiait le latin au détriment du grec. Jean  connaitra quand même Sophocle et Euripide par cœur.

Jeune homme à la sensualité naissance, il se délecta à lire en cachette Les Éthiopiques (ou Théagène et Chariclée), roman grec d'Héliodore d'Émèse (III^e ou IV^e siècle), qui narre les amours d’une princesse nubienne, prêtresse d’Artémis (déesse de la nature sauvage) éprise d’un jeune thessalien participant aux jeux d’Athènes. Il écrivait alors ses premiers poèmes qui dépeignaient naïvement les paysages de la Vallée de Chevreuse l’environnant.

Tout de sensibilité, il ne put tant s’accorder à l’austérité janséniste qu’il finira par se brouiller avec ses maîtres. Il se détourne de la carrière ecclésiastique à laquelle pouvait s‘attendre ces derniers comme sa grand-mère et sa tante. Il part à Paris suivre les cours de logique au Collège d’Harcourt (futur Lycée St Louis). Il reçoit  l’appui de membres de la famille quelque peu éloignés, Jean de La Fontaine (1621-1695) et  un cousin, Nicolas Vitart, qui lui procure un toit et un emploi précaire à Paris ; Quant à l’abbé Le Vasseur qui le soutient, il restera un ami fidèle, un confident précieux. Avec lui, le futur tragédien fréquente les comédiens et comédiennes des théâtres du ‘Marais’ et du ‘Bourgogne’. Il trouve un emploi d’intendant chez le duc de Luynes.

« En 1661, à l’occasion du mariage du roi Louis XIV, il propose à Chapelain et Perrault [[16]] une ode De la Seine à la reine. Il en obtient une récompense, il la publie et entre ainsi à 22 ans dans la République des Lettres en tant que jeune auteur prometteur. » (Paul Fièvre, Racine en querelles, https://www.cairn.info/revue-litteratures-classiques1-2013-2-page-199.htm, Littératures classiques 2013/2 (N° 81)).

Ses premiers essais au théâtre, Amasie et les Amours d’Ovide seront la cause des admonestations de sa tante qui lui reproche de s’être engagé dans cette voie de perdition qu’est le théâtre, tandis que ses maîtres le renient carrément. En cette même année1661, sa famille  l’envoie loin de Paris, dans le Gard, à Uzès, pour étudier la théologie et pouvoir bénéficier d’une mense de son oncle maternel Antoine Sconin, vicaire général. Grave erreur que de le faire vivre dans le Sud où « toutes les passions y sont démesurées ». Sous des apparences qui satisfont son oncle, il médite une tragédie à partir des Éthiopiques, relie ses chers auteurs dont Virgile et annote une fois encore les dramaturges grecs. Mais « las de faire l’hypocrite », il retourne à Paris début 1663 et s’affranchit ex abrupto de Port Royal .

Comme le dira quelqu’un après lui : « A nous deux Paris ». Racine est ambitieux et il sait qu’un auteur connu peut ‘gagner gros ‘, surtout au théâtre. C’est par la poésie qu’il fait néanmoins son entrée dans le milieu des lettres et à la cour. Deux odes, Ode sur la Convalescence du Roi, suivie de La Renommée aux Muses, certainement écrites à Uzès en prévision de son retour sur la capitale, sont remarquées par Chapelain. En cette même année 63, Le Comte de Saint Aignan, protecteur des Lettres, qui soutint la dramaturge Mme de Villedieu et le romancier Robert Scudéry (frère de Mlle), devient son protecteur, le présente au roi et lui fait rencontrer Molière qui a toutes les faveurs du monarque. L’auteur de L’École des Femmes que d’aucuns ont qualifié de « tragédie burelesque », accepte l’année suivante de jouer La Thébaïde (ou Les Frères Ennemis) qui relate le conflit sur la gouvernance de Thèbes opposant les deux fils d’Œdipe, Étocle et Polynice, nés tous deux de Jocaste qui, mère aussi d’Œdipe, s’est suicidée,  leur père Œdipe étant en exil.

En 1665, Racine obtient son premier succès, en bonne partie

dû à l’attention que lui porte Madame, Henriette d’Angleterre,  avec Alexandre le Grand, tragédie en cinq actes créée au Palais-Royal et jouée par ce qui devient être officiellement la Troupe du Roy, Louis XIV ayant pris cette même année la troupe de Molière sous sa protection directe. Mais l’auteur n’en a pas apprécié l’interprétation. Il remanie sa pièce et sans avertir Molière s’en va la présenter au ‘’ grands comédiens » du ‘Bourgogne’. Après les ‘Solitaires’, c’est avec un Molière bien en cour, assuré des applaudissements de son public et qui vient de donner précédemment avec succès en cette même année   Le festin de Pierre (Don Juan) et Le Médecin Malgré lui que le débutant Racine se brouille.

En 1667, est représenté au Palais du Louvre, son premier chef-d’œuvre Andromaque dédié à Madame, Duchesse d’Orléans. Tragédie qui nous offre le premier exemple de l ‘amour racinien, un amour irrésistible, qui domine tout et qui pour cela mène au tragique. Andromaque est jouée par Mlle Du Parc, Hermione par Mlle Des Œillets, Pyrrhus par Phloridor et Oreste par Montfleury qui mourra un mois plus tard, peu après la fin d’une représentation.

Fils du roi de Mycènes, Agamemnon, Oreste,  ambassadeur à la cour d’Épire, aime Hermione, fille du roi de Sparte Ménélas et d’Hélène, fille de Zeus, enlevée par le prince troyen Pâris. Hermione est  promise à Pyrrhus qu’elle aime. Mais Pyrrhus fils d’Achille roi d’Épire, a enlevé Andromaque et l’a épousée. Andromaque, troyenne fidèle à son époux Hector, mort durant la Guerre de Troie, est la  mère d’Astyanax tué par Pyrrhus.

Chaque personnage est aveuglé par sa passion. Par amour pour Hermione, Oreste ne va pas assumer la mission que son père lui a confié ; il souhaite même son échec et assassine Pyrrhus qui  à la fois est prêt à se retourner contre les Grecs, ses alliés d’hier et trahit son engagement d’épouser Hermione. Quant à Andromaque, « plus amante que mère », son amour maternel est nourri de son indéfectible amour pour Hector.

Le succès de la pièce qui est aussi grand que fut celui qu’avait connu le  Cid représenté pour la première fois au ‘Marais’ en 1637 par la troupe de Montdory. Ce succès porte au firmament des tragédiens un Racine qui devient le rival du ‘Grand Corneille’. Là, plus d’héroïsme, plus de dilemme entre devoir et amour, de la passion et encore de la passion. A cette époque, Racine est follement amoureux de la Du Parc.

Racine a alors la trentaine. Entouré d’une cour galante, ses ambitions de gloire comblées, il atteint à la maturité de son art. Ce qui ne va pas sans susciter des hostilités. De la part des Cornéliens d’abord puis des auteurs jaloux, entre autres Subligny et Gilles Boileau, académicien, frère ainé de Nicolas qui, du vivant de son frère aîné sera toujours appelé (sieur) Despréaux. Racine qui ne s’en laisse point compter répond par des épigrammes et surtout en 1668 par une comédie en trois actes, Les Plaideurs, inspirée des Guêpes d’Aristophane mais remplaçant la critique de la justice par la satire de mœurs.

Puis pour rivaliser avec son émule, il fait jouer au ‘Bourgogne’, Britannicus, une tragédie romaine qui ne connait pas franchement. Par  contre, elle plait à la cour. En 1670, Madame, Henriette d’Angleterre, qui portait une attention particulière au jeune Racine qui lui devait en 1665 le succès de son Alexandre Le Grand et lui valut une pension de 800 livres, souhaite que lui et Corneille composent une tragédie sur un même sujet : les Adieux de Titus et de Bérénice. Racine au début d’une décennie au cours de laquelle il écrira ses plus grandes œuvres, jouissait des faveurs du public et de la cour ; ses grands chefs-d’œuvre derrière lui, Corneille n’était déjà plus le ‘Grand Corneille’ comme aimé a le nommé son jeune frère Thomas, lui-même qui, tragédien, sut s’adapter aux goûts nouveaux du public pour la tragédie amoureuse, le tragique héroïque étant passé de mode. De la pièce de Corneille, Tite et Bérénice, on n’a retenu qu’un beau vers : « Chaque instant de la vie est un pas vers la mort».

La Bérénice de Racine est représenté le 21 novembre 1670 à l’Hôtel de Bourgogne,   Le Tite et Bérénice hui jours plus tard au Théâtre du Palais-Royal le 28 novembre.

Les cornéliens ne ‘’lâchèrent pas le morceau’’. Ils reprochèrent à Bajazet (1672) de ne pas être une turquerie suffisamment caractérisée. Une fois encore, Racine affronta son rival sur son propre terrain avec en 1673 Mithridate que l’on donne pour sa « plus cornélienne de ses tragédies ». La façon dont l’auteur mêla les grands sentiments avec les grands intérêts d’état fit courber l’échine à ses opposants.

Au comble de sa gloire, Racine est anobli en recevant la charge de Trésorier du Roi et entre à l’Académie Française. Il devient le protégé des plus grands et des plus puissant(e)s, Condé, Colbert, La Montespan ; Quant au roi, il ne veut pas moins en 1674 que la primeur de son Iphigénie. Quant à Suréna jouée au Bourgogne la même année , la tragédie est un tel échec que Corneille décide de mettre fin à sa carrière d’auteur dramatique. On n’en aura retenu que ce vers du général des Parthes : « Mon vrai crime est ma gloire et non mon amour ».

Molière est mort l’année précédente, ramené de scène alors qu’il avait tenu à être une fois encore Le Malade Imaginaire. Louis XIV lui avait préféré Lylly qui avait donné sa première tragédie lyrique, Cadmus et Hermione, sur un livret de Philippe Quinault l’année précédente en 1673, année de la mort de Molière.  Lully débauchera d’ailleurs une partie de la Troupe du Roy, troupe de Molière, et occupera à sa place la salle du théâtre du Palais-Royal.

Sa carrière de Racine connut néanmoins une passage difficile avec l’échec de Phèdre donné en 1677 à l’Hôtel de Bourgogne. Une cabale menée par la Duchesse de Bouillon, La Fontaine, sans doute Pierre Corneille qui ‘fabriquèrent’ le succès de la Phèdre d’un jeune dramaturge tout aussitôt oublié Pradon. A ce triste épisode vint s’ajouter , en pleine Affaire des Poisons (voir Introduction Générale/ France), l’accusation d’avoir empoisonné la Du Parc.

Phèdre met en évidence ce qui apparaissait déjà peu ou prou dans Bérénice : Si l’amour reste l’instrument du tragique, il n’est plus vu comme le grand vainqueur qui tend à mener les personnages à leur pleine exaltation, au plein aboutissement de leur désir passionné ; il est perçu au contraire comme l’instrument de leur malheur. Racine écrit dans la préface de Phèdre qu’il ne veut peindre les passions que « pour montrer de quel désordre elles sont causes». C’est un tournant dans son esprit, lui qui revient comme repentant au jansénisme. Ses personnages consentants ne sont plus magnifiés par l’amour, ils en sont les victimes.

En 1677, il se marie avec Catherine de Romanet, avec qui il aura sept enfants. Ce mariage de raison avec la fille d’un Trésorier de France, charge qui confère la noblesse) se révèlera être une union amoureuse. Il  devient historiographe du roi aux côtés de Boileau. Et s’il renonce au théâtre, il ne renonce pas à la cour. Courtisan, ayant pour protecteur les Condi et les Condé, il se veut être en bons termes avec Colbert et Louvois, tout autant que bien s’entendre avec Bossuet et Fénelon. Ses discours et madrigaux encensent le roi qu’il suit partout. En 1689, sur les instances de Mme de Maintenon, il revient au théâtre avec Esther, « quelque espèce de poème moral et historique » qu’interprètent les pensionnaires de Saint-Cyr. Que d’aucuns considèrent comme son chef-d’œuvre.

« Mme de Maintenon a offert à Racine l'occasion d'inventer ce qui a pu lui apparaître comme la forme idéale de tragédie, qui ferait alterner harmonieusement le dramatique et le lyrique, les émotions propres au tragique et l'émotion due aux cantiques, le déclamé et le chanté, l'alexandrin régulier et le vers mêlé, une forme supérieure d'émotion théâtrale, au service de la plus grande gloire de Dieu. » (Présentation de l’édition Gallimard 2007)

Suit Athalie en 1691 .

Racine termine sa vie entouré de ses sept enfants et d’une épouse « simple et calme, admirable maitresse de maison » et dans une aisance plus que confortable. A ses hymnes et Cantiques Spirituels, il ne manque pas d’ajouter une Histoire de Port-Royal. Ce rapprochement avec le jansénisme ne fut pas vu d’un bon œil à la cour. Atteint d’une tumeur au foie, il meurt à la soixantaine en ayant souhaité être enterré à Port-Royal. des champs auprès de son maitre, le Solitaire compatissant, Jean Hamon qui l’enseigna aux ‘Petites Écoles’.

L’auteur de Britannicus a donné lui-même sa conception du théâtre

• ·        dans la préface de la pièce : « Une action simple, chargée de peu de matière, telle que doit être une action qui se passe en un seul jour, et qui, s’avançant par degré vers sa fin,
           n’est soutenue que par les intérêts, les sentiments et les passions des personnages. »
• ·        dans la préface de Bérénice : « La principale règle est de plaire et de toucher…Les personnages tragiques doivent être regardés d'un autre œil que nous ne regardons
          d'ordinaire les personnages [historiques] que nous avons vus de si près... »

Notes

[1] Sur l’Opéra de Paris (Académie Royale de Musique), la Comédie Française et la Comédie à l’Italienne sous l’Ancien Régime voir Solveig Serre Monopole de l’art, art du monopole ? L’Opéra de Paris sous l’Ancien Régime Entreprise et Histoire, Eska, 2008, pp 80-90, halshs -00397296.

[2] Histoire des comédiens de la troupe de Molière / Alfred Copin | Gallica : « Chacun connaît la mort du père du grand Baron, événement passé à l'état de légende. Un jour qu'il jouait le role de Don Diègue, il laissa tomber son épée comme la circonstance l'exige dans la scène avec le comte de Gormas, et en la repoussant du pied avec indignation, il en rencontra la pointe qui lui blessa le pied. Il négligea cette blessure et, deux jours après; la gangrène s'y mit. Il ne voulut pas qu'on lui coupàt la jambe et se laissa mourir (octobre 1655) »

[3] De même pour l’épouse de bourgeois. Cf. https://www. atramenta.net/lire/oeuvre4381-chapitre-81.html#note-citation-71 note 72.

[4] « C’est alors l’usage dans certains salons que l’on fît des portraits, tantôt celui d’une autre personne, à titre de réciprocité, et tantôt le sien propre. Le genre est essentiellement faux. » (https://actualitte.com/article/82663/ ressources/la-rochefoucauld-portrait-de-lui-meme).

[5] Cf. Mongredien Georges La vie quotidienne des comédiens au temps de Molière Hachette 1992

[6] La livre tournois, qui existait depuis le XIIIème siècle, est une monnaie de compte, une monnaie fictive utilisée pour les comptes, contrats, transactions. Les payements sont effectués, eux, en pièces ( pas de billets mais des lettres de change), qui ne portent aucune mention de valeur et dont la teneur en métal précieux (or, argent ou cuivre) est fixée par la livre tournoi dont seul le roi décide (affaiblissement de la teneur= dévaluation=inflation). Elle est divisée en sou (le sol) et denier. Elle a pu valoir 240 deniers ou 20 sous. Colbert arrive à maintenir une stabilité monétaire ; l’écu, la principale monnaie en argent vaudra de 1641 à 89, 3 livres tournois.

Ses pièces étaient frappées à Tours depuis 1203 sous Philippe-Auguste (1165-1223). Jusqu’en 1667 existait le denier tournois de Tours mais aussi le denier breton, provençal, artésien, angevin, chartrain, flamand, lyonnais, nivernais. En 1667, Louis XIV (Colbert) unifie le système monétaire et fait obligation de compter sur tout le royaume en livres tournois. La livre tournoi s’impose entre autres face à la livre parisis (denier du domaine royal, Île-de-France).

De 1651 à 76, 1livre=7,53g d’argent = 2,37€ ; de 1701 à 25, 1L=5,49g=1,73€. 2000t x 2,73= 5460€. Le franc n’apparaitra qu’en 1795. Si le salaire moyen d’un ouvrier était de 1 sou/h, pour 12h de travail/jour il gagnait 12 sou soit un peu plus d’une 1/>2livre. Voir https://www.fourastie-sauvy.org/reference/textesjean/tradition/301-de-louis-xiv-a-1949

[7] Voir plus complètement sur l’affaire et sur Molière https://corneilleavecmoliere.net/Corneille_avec_Moliere/LAffaire_Corneille-Moliere.html

[8]https://information.tv5monde.com/culture/qui-etait-vraiment-moliere-439920 : « La seule survivante de ses quatre enfants, Esprit-Madeleine, perdit ses manuscrits et la première biographie "Vie de M. de Molière" publiée en 1705 alimente depuis les légendes autour de Jean-Baptiste Poquelin ».

[9] Sur Molière voir Cent Ans de Recherches sur Molière archives Nationales https://www.siv.archives-nationales.culture.gouv.fr/mm/media/ download/FRAN_ANX_008004.pdf   Et Alfred Copin Histoires de la troupe des Comédiens de Molière 1886https://gallica.bnf.fr/ark:/12148/ bpt6k9692317p/f253.texteImage#

[10] « Le titre de « tapissier privilégié du roi suivant la cour » fut d’après Henry Harvard, accordé par Henri IV à quatre tapissier, en 1606, puis supprimé par Louis XIII en 1618. Après les avoir rétablis quelques années plus tard, Louis XIII passe leur nombre à six puis Louis XIV le porte à huit en 1658. Ces tapissiers, installés à leur compte, sont autorisés à suivre la Cour dans ses déplacements afin de proposer leur services à l’entourage royal. Ainsi leur revient-il la confection , le transport, la mise en place et l’entretien des meubles personnel des divers princes, courtisans, officiers mais non ceux du roi » (Xavier Bonnet Les Tapissiers Ordinaires du Roi,Versalia Revue de la Société des Amis de Versailles Année 2017 20 pp. 75-95 https://www.persee.fr/doc/versa)

« En 1660, à la mort de son frère qui jusque-là détenait cette charge, le comédien devenu directeur de troupe fut en effet nommé valet-tapissier du roi. Son rôle était, un trimestre par an, de veiller à l’aménagement de la chambre du monarque et d’assister au lever de Louis XIV. » (Christèle Dedebant Docteur en histoire contemporaine https://www.geo.fr/histoire/moliere-etait-il-un-intime-du-roi-soleil-215160).

[11] Jean-Louis de Nogaret (1554-1642), né à Cazaux-Davès (Gers) et mort en disgrâce à Loche, amiral de France, gouverneur de Guyenne et qui participa au siège de la Rochelle (1627-28), fut le mignon du roi Henri III avant d’être son favori concomitamment avec le Duc Ann de Joyeuse. A partir de la renaissance, le mignon était un serviteur de confiance du roi ; le favori étant celui à qui le roi accorde ses meilleurs grâce. Le rattachement à ces deux types de relations de pratiques homosexuelles vient du sens péjoratif que huguenots aussi bien que ligueurs leur ont donné pendant les guerres de religion.

[12] La Comédie-Ballet fait alterner les scènes dialoguées du théâtre avec les danses de la chorégraphie, la musique alliant les deux. Elle donnera un siècle plus tard en France naissance à l’opéra-comique et non comme l’indique certaines sources à l’opéra qui sous d’autres formes était déjà apparu au XVIIème siècle en Italie avec des représentations en Europe dont en France au milieu du siècle. De même que le ballet-de-cour donnera naissance à l’opéra-ballet (Voir Musique/Formes et Genres/Opéra). Molière a souvent répondu aux commandes qui lui étaient faites par le roi. « Les Fâcheux, les Plaisirs de l’île enchantée, la Princesse d’Élide, les Amants magnifiques sont des comédies-ballets dont les textes ne nous importent plus beaucoup aujourd’hui, à l'inverse de Monsieur de Pourceaugnac, Le Bourgeois gentilhomme et Le Malade imaginaire » (Larousse/Molière)

[13] Placé entre deux actes, l’intermède, pièce musicale ou ballet, a pour fonction de divertir les spectateurs durant l’entre-acte qui permettait de changer les décors souvent lourds et d’installer les machineries mais aussi de soulager l’attention de ces mêmes spectateurs qui assistaient à des représentations pouvant durer cinq heures comme c’est le cas pour Psyché.

[14] Ou selon les sources de tuberculose pulmonaire ou de phtisie pulmonaire entrainant émaciation et consomption (extrême fatigue)

[15] A l’occasion du Traité d’Aix-La-Chapelle en 1668 qui mettait fin à la Guerre de Dévolution, fut donné à Versailles une fête mémorable connue sous le nom du Grand Divertissement Royal de Versailles. Seront créés Georges Dandin et Les Fêtes de l’Amour et de Bacchus (et non  du Hasard de Marivaux) par l’Académie Royale de Musique dirigée par Lully sur un livret de Quinault.

[16] Jean Chapelain (1595-1674), auteur d’un poème La Pucelle, que l’histoire littéraire oublia bien vite, joua aux côtés de C. Perrault (†1703), l’auteur des contes et frère de Claude, l’architecte, un rôle déterminant au ‘petit-conseil’ créé par Colbert Surintendant des Bâtiments (parmi bien d’autres charges) « pour «examiner tout ce qui regarde les bâtiments, ‘’l’esprit et l’érudition’’, Petit Conseil qui deviendra en 1663 l’ Académie des Inscriptions et Belles-Lettres. (Cf. Inès Murat Colbert, Fayard 1980, pg. 176 ‘A la Gloire du Roi’. Voltaire écrira de Chapelain : « Chapelain avait une littérature immense, et ce qui peut surprendre, c’est qu’il avait du goût et qu’il était un des critiques les plus éclairés » (cité par I. Murat).